UN FAUNO DE CUENTO Y UN OGRO MUY REAL: "EL LABERINTO DEL FAUNO" (GUILLERMO DEL TORO)

Guillermo del Toro es un director que cuenta con un cierto beneplácito crítico y un indudable séquito de fans. En mi opinión es el típico caso de eterna promesa. Es alguien del que siempre se espera mucho, pero que, a pesar de mantener una calidad media más que aceptable, nunca acaba de presentarnos esa obra redonda que justifique las expectativas despertadas. Creo que “El laberinto del fauno” es la vez que más cerca ha estado de conseguirlo.

Se trata de la segunda parte de una anunciada trilogía sobre la Guerra Civil. La primera, “El espinado del Diablo” (2001), fue bastante decepcionante. Como en aquella, se puede hablar de dos tramas paralelas, una fantástica y otra más realista, aunque no falten en esta última guiños al cine de género (western, escuela Sergio Leone, sobre todo) y elementos simbólicos. Lo más difícil en estos casos es conseguir que ambas historias convivan de forma armoniosa durante el metraje. Creo que Del Toro no solo consigue eso, sino el más difícil todavía: que ambas líneas argumentales se enriquezcan y potencien mutuamente hasta llegar a un clímax final muy emotivo. Ha aprobado la asignatura pendiente que le quedó para septiembre en “El espinazo del Diablo”.

La primera escena de la película resulta fundamental para entender el conjunto. En ella se establecen no solo las dos tramas que van a guiar la acción, sino también el punto de vista narrativo que adopta el director. A través de un diálogo dentro de un coche entre madre e hija, se establece la afición de ésta última por los libros de cuentos, así como su desbordante imaginación. La madre le recrimina por ello y le pide que se comporte como una señorita ante su nuevo padre adoptivo, al que conocerá al final del viaje. Durante una parada en el camino, la niña sale del coche y descubre una piedra con forma de ojo; a continuación se adentra en el bosque que linda con la carretera hasta encontrar la escultura de la que procede la piedra y la sitúa en su lugar. La madre la descubre en ese momento y le vuelve a echar la bronca por haberse ensuciado los zapatos. Del Toro introduce entonces una serie de planos en los que relaciona a la madre con la niña y la escultura, dejando claro que esta existe de verdad y no es solo algo producto de la imaginación de Ofelia. A la vez, establece el antagonismo entre el sentido de la fantasía de la niña y el sentido de la realidad de la madre, que va a marcar todo el relato. No será este el único momento del film en el que esto ocurra, recordemos el episodio de la mandrágora.

Existe, por tanto, una clara intención de mantener la ambigüedad respecto a la relación entre el mundo de cuento, que parece estar exclusivamente en la mente de la niña protagonista, y la hostil realidad que la circunda. Pero va aún más allá, ya que a la vez ese juego de antagónicos entre realidad y fantasía actúa como metáfora del duelo entre los fascistas y los idealistas que desean reinstaurar la República. Evidentemente, Del Toro se pone de parte de la fantasía, a la que identifica con la libertad de pensamiento, mientras que la dura realidad encuentra su analogía en el fascismo. Hay un detalle simbólico muy eficaz en ese sentido: el malo de la función (un enorme Sergi López interpretando al amenazante padre adoptivo) porta siempre consigo un reloj que heredó de su padre y que se esmera en cuidar y arreglar con la intención de que le dure hasta el momento de su muerte. Es una forma de expresar la falta de humanidad y la cerrazón mental del personaje a través de la identificación con el mecanismo de un reloj, como si fuera el malo de un cuento de Michael Ende.

Buf, me ha quedado un poco denso, ¿no?

Me gustaría destacar la gran labor de todos los actores, pero en especial la del ya mencionado Sergi López, que hace una memorable composición como oficial fascista, y la de una estupenda Maribel Verdú, que consigue conmovernos interpretando al maternal personaje en el que la niña protagonista (la revelación Ivana Baquero) encuentra la solidaridad que no halla en su propia madre. Lo mismo se puede decir de Álex Angulo, recuperado para la causa cinematográfica después de varios años de errante (y errada) trayectoria televisiva. Del Toro demuestra que no solo está dotado para la imagen, sino que también es un gran director de actores.

Así mismo, es justo mencionar el magnífico trabajo de ambientación, así como la gran contribución de Guillermo Navarro al mando de la fotografía. Ambos aspectos colaboran para conseguir que un film que se mueve en terrenos y géneros tan dispersos resulte sólido y coherente en todo momento.