TRIBULACIONES DE UN REPLICANTE

RECUERDOS MUSICALES 2011

2012-01-18T17:43:00.000Z

No pretendo hacer una lista de lo mejor del año, ya que el panorama musical me resulta totalmente inabarcable. Solo he escogido de entre los discos editados en el 2011 que he tenido tiempo de escuchar aquellos que más me han hecho disfrutar. Sin ánimo de resultar exhaustivo ni riguroso y sin orden de preferencia aquí les dejo unas cuantas recomendaciones esperando que no caigan en saco roto.

THE DRUMS | PORTAMENTO

Cuando con tu primer álbum te consideran la revelación del año, con el segundo te la juegas. Es el disco de la verdad, el que sirve para distinguir la fruta de temporada del pan nuestro de cada día. A pesar de ciertas disputas internas que les llevaron al borde de la separación, su sonido no ha variado demasiado. Tampoco hacía falta, porque es algo que forma parte de su encanto. Permanece ese gusto por la reverb que le confiere a las canciones una atmósfera de ultratumba, como si Martin Hannett (genial productor de bandas como Joy Division o New Order, cuya contribución al sonido Madchester fue decisiva) manejara las teclas desde la pecera de un Olimpo consagrado a los grandes del pop ( ¡Toma frase rimbombante! Tengo que dejar de leer el Rockdelux). Pero ese sonido que lleva al oyente directamente a un pasado memorable no sería más que un envoltorio vacío, si no sirviera para sustentar unas canciones maravillosas, cargadas de inspiración melódica y de sentimiento. ¿Sería demasiado pedir que mantengan este ritmo de producción que les ha llevado a entregar dos discazos en dos años?

LA CASA AZUL | LA POLINESIA MERIDIONAL

A muchos, el nombre de Guille Milkiway no les dirá nada, aunque recordarán aquella canción paródica llamada "Amo a Laura, pero esperaré hasta el matrimonio" que compuso para una campaña publicitaria de la MTV. Quizá algunos de vosotros le vierais recogiendo el Goya a la Mejor Canción ganado con toda justicia gracias al tema principal de la película Yo, También. En su discurso de agradecimiento pidió perdón a los fans por aquel cambio de género, una rumba setentera. Pero, a pesar de sus disculpas, ya ni siquiera se le puede considerar un placer culpable por recurrir a géneros populares tan denostados y desfasados como el mencionado, la música disco, el sonido Philadelphia, el lounge o el chicle-pop porque lo hace con tal brillantez y con tal conocimiento de causa que resulta demasiado fácil defender la calidad de su propuesta musical. Sin embargo, la alegría que transmite su música contrasta con unas letras que hablan de depresión, suicidio, decepción, ansiedad, crisis de la vieja Europa y demás neuras. El mismo Guille ha dicho que este disco es un alegato a favor del escapismo. Nos invita a la gran evasión a través de la música. Pero creo que aquellos que necesitan reafirmar su virilidad a través de sus gustos musicales no están invitados. Menos mal que otros estamos seguros de nuestra condición sexual y, al no tener esos problemas de identidad, podemos disfrutar de cualquier tipo de música sin ningún complejo.

TOM WAITS | BAD AS ME

Alguien puede pensar: ¿qué coño hacen Tom Waits y La Casa Azul en la misma lista? Pues para mí la respuesta es facilísima, cada uno en su estilo hace una música maravillosa. Creo que los gustos deben ser complementarios, nunca excluyentes. ¿Por qué el que te guste algo tiene que significar que no te guste su contrario, si eso es exactamente lo que le hace ser lo que es? Por Dios, ¿de verdad que esos talibanes del rock no se aburren de escuchar todo el rato el mismo tipo de música? Qué coñazo, qué pereza, qué desidia. Pero vamos a Tom Waits, que es lo que importa. Cada vez que oiga a alguien decir esa gran mentira del rock según la cual a los viejos roqueros no se les puede exigir la misma chispa que tenían de jóvenes y que hay que conformarse con pequeños chispazos porque solo por eso merece la pena seguir escuchándolos, les voy a poner este disco de Tom Waits, en el que no solo mantiene la energía de sus años mozos, si es que los tuvo, sino que se muestra a la altura de sus mejores obras, o sea de mis favoritas: Swordfishtrombones, Rain Dogs y Bone Machine. En cuatro palabras: hu-mi-llan-te.

WYNTON MARSALIS & ERIC CLAPTON | PLAY THE BLUES

Nunca he sido un gran fan de Eric Clapton y, aunque conozco a Wynton Marsalis y admiro su virtuosismo, tampoco me considero lo que se dice un conocedor. Por otro lado, las reuniones de grandes leyendas de la música siempre me han parecido algo sospechosas, son como esas reuniones de viejas estrellas acabadas en las películas de catástrofes de los 70. La estrategia parece ser la de ver si entre varios son capaces de atraer una atención que ya no aspiran a generar por sí mismos. Por estos prejuicios tardé en escuchar este disco. De hecho, la primera vez que lo escuché fue de forma totalmente casual en la Fnac, y allí me convencí de que podía estar muy bien. Y es que la atracción no está simplemente en el nombre de estas dos grandes estrellas, sino en la sensacional banda que les secunda, que ofrece toda una lección del mejor jazz-blues en su vertiente más clásica y festiva. Así, canciones como Layla cobran nuevos bríos recurriendo a un estilo proveniente de un pasado remoto. Otra gran mentira del rock que cae por su propio peso: la de que las versiones originales siempre son mejores. El reencuentro con los orígenes acaba resultando refrescante. Curioso y conmovedor.

SR. CHINARRO | PRESIDENTE

Creo recordar que fue en una entrevista ofrecida con motivo de la promoción de este disco al programa Asuntos Propios de RNE donde Antonio Luque dijo que estaba tomando lecciones de canto y guitarra. Resulta admirable que el tipo con más prestigio del indie español todavía tenga ese nivel de autoexigencia y el deseo de reciclarse. Y lo cierto es que esas lecciones se notan en este y en los dos anteriores discos, ya que Luque cada vez canta mejor y en un tono más vivaz. Su tono de voz grave le venía que ni pintado para esas canciones oscuras y deprimentes del pasado, pero ahora que ha adoptado las maneras de un viejo trovador necesita más recursos para salir airoso cuando afronta canciones como “Un Final Feliz” o “Una Llamada A La Acción”, por ejemplo, que no requieren un taciturno recitado, sino una interpretación más enérgica y dramatizada. Quizá pierda algunos fans por haberse hecho más profesional, sonar más alegre y recurrir a géneros populares, pero ganará otros que sepan apreciar su coherente evolución hacia una serena madurez. Y qué decir de las letras, pues que sigue siendo uno de los mejores letristas del pop en castellano de todos los tiempos.

ARCTIC MONKEYS | SUCK IT AND SEE

Otros que pueden perder fans debido a su paso hacia la madurez. Quizá esto no resulte muy evidente en los primeros temas, pero a partir del octavo, “Reckless Serenade”, se hace patente que Alex Turner ha acabado imponiendo al resto de la banda su gusto por los viejos vinilos. Ya cuando les dieron el Premio Mercury por su primer disco, Whatever People say I am, that’s what I’m not, el líder de los de Sheffield dijo algo así: “manos arriba, le acaban de robar a Richard Hawley”. Hace tiempo que se viene hablando de un disco junto a su admirado paisano. En su proyecto paralelo The Last Shadow Puppets, junto a su amigo de toda la vida Miles Kane, ya ofrecía un descarado homenaje al pop británico de los años 60. Y en la banda sonora de la película inédita en España (otra más) Submarine (Richard Ayoade), que se ha publicado este mismo año, y que Alex Turner firma en solitario por primera vez, se presenta, a la manera de Hawley, como un viejo roquero de los años 50. Hace poco le pude ver en una entrevista con una estética a lo Teddy Boy, lo cual no resulta mucho de mi agrado, pero qué le vamos a hacer. Me hace gracia su falta de prejuicios y su facilidad para pasar de chico de barrio obrero británico a mod sesentero, roquero melenudo setentero y ahora rocker. Hay quien le puede achacar falta de personalidad, pero yo creo que eso solo denota una gran inquietud y una enorme cultura musical que se puede apreciar en la riqueza de texturas que son capaces de ofrecer estos chavales que empezaron siendo la gran promesa del pop británico del siglo XXI y ya forman parte de su historia, aunque todavía les queda una larga vida por delante. Creo que la edad media del grupo ronda los 25 años y ya han entregado 4 excelentes discos más los mencionados proyectos paralelos de su líder. No se veía tal generosidad creativa desde… ya ni me acuerdo.

JOHN WILLIAMS | LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO

La única pega que se le podría poner a esta magnífica banda sonora es que le falta un temazo reconocible y tarareable a la altura de los que el maestro compuso para Indiana Jones o Star Wars, pero eso no impide que estemos ante una composición admirable en todos los sentidos, que se puede disfrutar independientemente de la película a poco que seas amante de la buena música. Hay momentos más relajados y jazzísticos para la comedia que se combinan a la perfección con cortes más tendentes al dramatismo, la acción y la épica, siempre con una riqueza musical y orquestal digna de uno de los grandes compositores y orquestadores (no siempre va unido) de todos los tiempos. Mi corte (¿se puede decir eso en los tiempos del MP3?) favorito es el que se puede escuchar en el vídeo que ven en la parte superior, el dedicado a Milú (Snowy), una pequeña gran pieza para piano y orquesta absolutamente deliciosa.

ALBERTO IGLESIAS | LA PIEL QUE HABITO

Según la Wikipedia, Alberto Iglesias ha ganado el Goya en 8 ocasiones. A veces he tenido la sensación de que los miembros de la academia le votaban más por inercia que por otra cosa, despreciando a otros grandes de la banda sonora patria como Roque Baños. Pero esta vez creo que estamos de verdad ante uno de sus mejores trabajos y su noveno Goya se lo tendrá más que merecido. En los últimos años Iglesias está demostrando, además, su carácter camaleónico, aunque conservando siempre un estilo propio y reconocible, en la línea de otros maestros como Rota, Hermann, Morricone o Elfman. Esta rocambolesca historia de ciencia ficción, terror y amor ha obligado al autor de cabecera de Almodóvar a echar mano de todos sus recursos y a introducir algunos nuevos, como son unos estupendos arreglos electrónicos. En el vídeo pueden escuchar el hermanniano temazo central, una de las grandes aportaciones a la música de este año.

GIRLS | FATHER, SON, HOLLY GHOST

El primer álbum de Girls ya contaba con algunas canciones excelentes (escuchen "Laura" y díganme si no es una de las mejores canciones que han escuchado en su vida), pero se acababa diluyendo debido al excesivo amateurismo que impregnaba gran parte del disco. Esa sensación desaparece completamente en esta segunda entrega, tercera si tenemos en cuenta el también excelente EP Broken Dreams Club, donde ofrecen toda una lección de pop-rock clásico en la línea de Elvis Costello, John Lennon o Brian Wilson, tres de sus referentes más reconocibles. Escuchen como muestra la muy beatleómana "My Ma" que acompaña a este artículo.

ANNA CALVI | ANNA CALVI

Los grandes medios especializados han elegido Let England Shake de P.J. Harvey como el mejor disco del año. Yo lo he escuchado demasiado poco como para pronunciarme sobre él. Nunca he sido un gran fan de Polly Jean. Digamos que me gusta, pero no me apasiona. A veces tengo la sensación de que a muchos críticos les ciega ese halo de gran diva del rock (vamos, que les pone cachondos), con lo cual tienden a sobrevalorar su música. Menciono a la ex de Nick Cave (terminaron como el Rosario de la Aurora, por supuesto) porque Anna Calvi ha cometido el gran pecado de que su música recuerde a la intocable P.J. Querer parecerse a Dios es un pecado imperdonable, pero, para los que no pensamos que la autora de Rid Of Me sea una diosa intocable, el primer disco de la guapísima Anna Calvi es de lo más prometedor que nos ha llegado de la pérfida Albión el año pasado. Es una cantante con un potencial enorme, una excelente guitarrista y una compositora en formación, pero ya capaz de ofrecer temazos como el que pueden escuchar pinchando el play del vídeo.

OTROS DISCOS QUE MERECE LA PENA ESCUCHAR:

ANTÒNIA FONT | LAMPARETES

THE BLACK KEYS | EL CAMINO

WILCO | THE WHOLE LOVE

MANEL | 10 MILLES VER VEURE UNA BONA ARMADURA

Y UN PLACER CULPABLE:

BRITNEY SPEARS | FEMME FATALE

POR FIN CON TODOS USTEDES: "LAS AVENTURAS DE TINTIN: EL SECRETO DEL UNICORNIO" (Steven Spielberg)

2011-11-16T21:05:00.000Z

Cuando hablamos de la adaptación al cine de un cómic hay varias formas de enfrentarse al análisis: olvidar la obra en la que se basa la película y tratar de juzgarla por sí misma o juzgarla como adaptación por su fidelidad al original. Una gran película puede ser una mala adaptación y viceversa. Claro que, cuando tratamos un personaje tan querido por tanta gente como Tintín, es más complicado buscar la distancia adecuada para juzgar la película por sí misma. Para ello es necesario hacer un ejercicio de simplificación y preguntarnos: ¿que tipo de película es El Secreto Del Unicornio? Lo más simple sería empezar diciendo que es un film de animación. Desde este punto de vista, creo que nadie puede negar que estamos ante un film animado absolutamente brillante en todos sus aspectos.

Podríamos añadir que es un film de aventuras. Tampoco creo que haya mucho lugar para la discusión en cuanto a la pasión por la aventura que se respira en cada uno de sus fotogramas. A continuación diremos que se trata de un film espectáculo, y ahí ya entramos en la polémica porque eso es algo que mucha gente ve directamente como un insulto. Yo creo que hay que entrar a juzgar si se trata de un buen o un mal espectáculo, pero decir que una película es mala por buscar la espectacularidad es absurdo. Me parece que aquellos que menosprecian la espectacularidad en el cine, en realidad menosprecian el cine mismo, y en particular el cine de género fantástico y de aventuras, ya que una de las características más singulares del séptimo arte es una capacidad para generar espectáculo muy superior a la del teatro, el cómic o la literatura, las artes con las que más se le suele comparar. Hecha esta aclaración, entremos a analizar si estamos ante un gran espectáculo o ante una simple sucesión de fuegos artificiales. Dejando el irritante tema del 3D aparte (yo la vi en 2D y en V.O.S., como recomiendo verla a todo el mundo, porque creo que el 3D no aporta absolutamente nada y solo sirve para subrayar burdamente ciertos aspectos de la puesta en escena), creo que estamos ante un espectáculo cinematográfico de primerísimo orden solo al alcance del director de En Busca Del Arca Perdida, tal como predijo Hergè. Aquellos que menosprecian la espectacularidad tienden a meter todos los films de este tipo en el mismo saco con reflexiones tan profundas como: "todo el mérito es de los técnicos" (como si el trabajo artesanal de mucha gente solo consistiera en apretar botones) o "no son más que efectos especiales" (como si no hiciera falta imaginación, estudio y pericia para generarlos). A todos ellos les digo que el cine nació con Méliès, un mago de los efectos especiales, y, por más que les pese a muchos, su evolución ha estado siempre ligada a los avances tecnológicos ¿Y cuáles son las razones para considerar que El Secreto Del Unicornio constituye un gran espectáculo cinematográfico? A partir de ahora voy a dejar que sea el propio Spielberg el que se defienda de las insidias (la palabra de moda esta semana) que se han vertido sobre él por parte de quienes se creen más capacitados que el director de E.T. para llevar Tintín a la pantalla grande. Veamos como explica lo "fácil" y "rápido" que resulta hacer una película como ésta:

"Nadie había hecho una película así antes, por lo que al principio tuvimos que establecer una guía. No sabíamos qué estábamos haciendo hasta que estuvimos en la mitad del proceso. Todo consistió en una asombrosa colaboración entre sesenta animadores y trescientos ilustradores y artistas, a los que nos sumamos Peter y yo, así como los guionistas. Digamos que hemos pasado dos años intentando entender cuál era la forma de hacer esta película. Y una vez que lo entendimos, siguieron otros tres años de pura animación. Pero debo decirte que cada día esperaba con muchas ganas que llegara el momento de la teleconferencia. Si veía en mi calendario que ese día tenía un encuentro con Peter y su equipo de tres a cinco de la tarde, me pasaba todo el día esperando que llegara la hora. Me he divertido más haciendo esa película que en cualquiera de las otras desde la época en la que hice E.T. Aún habiendo tenido que esperar veintiocho años en mi corazón, dos años más de reuniones y otros tres de realización, esta ha sido mi mejor experiencia después de E.T., y no puedo explicar muy bien por qué". (Fuente: Dirigido Por...)

¿Le parecen las palabras de alguien que solo piensa en el cine como un medio de engordar su cuenta corriente o las de alguien que siente verdadera pasión por su trabajo? Hay quien, pese a valorar positivamente el abracadabrante espectáculo que ofrece el film, ha criticado que este estilo de animación hiperrealista no era la más adecuada, ya que traiciona la "línea clara", estilo basado en la sencillez de dibujo, color y secuencia de las viñetas, en el que Hergé fue uno de los grandes maestros. ¿Pero qué querían? ¿Una traslación totalmente aséptica e impersonal de las viñetas a la pantalla? Yo mismo era bastante reticente a la técnica de captación de movimiento, pero después de ver los excelentes resultados logrados por Robert Zemeckis en Beowulf (un film de aventuras profundamente adulto, oscuro y reflexivo por parte de un director al que se suele acusar de infantil) y Cuento De Navidad (excelente, nada edulcorada y muy menospreciada adaptación del famoso relato de Dickens) o, sobre todo, por Gil Kenan en la magistral Monster House, no tuve más remedio que cambiar de opinión. Hay que recordar que la primera idea de Spielberg era realizar un film de acción real, pero eso planteaba muchos problemas a la hora de manejar a personajes como Milú, por ejemplo. Por no hablar de lo ridículo que puede llegar a resultar ver a actores reales vistiendo ropajes y habitando un mundo tan colorista como el creado por Hergé; lo cual ya se hizo hace años, por cierto, con resultados lamentables. Así que este híbrido entre acción real y animación no me parece en absoluto una mala elección. Veamos como se defiende Spielberg:

"Es que las caras que ves en Tintín son las de los actores. Eso era lo que intentábamos lograr. Su contribución sigue siendo la misma. Lo que logró Ed Asner aportando su voz en Up es lo mismo que nuestros intérpretes han logrado con esta tecnología. Cuando haces una película animada por ordenador como Shreck, hay cámaras que están filmando lo que hace Mike Myers y Eddie Murphy. Cuando haces Toy Story, se registra lo que hacen Tom Hanks y Tim Allen. Los animadores usan sus interpretaciones como guía para saber de qué forma se van a mover las caras de sus personajes. La técnica de captura de movimiento lo que hace es simplificar las cosas. Los ordenadores pueden percibir lo que muestran los rostros de los actores, pero los animadores siguen teniendo que dibujar cada escena. Es, simplemente, una forma más sencilla de proveer información más precisa de lo que un actor intenta darte con su interpretación, por lo que técnicamente, esa es la diferencia entre los dos estilos de animación. La fórmula para mantener viva la emoción es, simplemente, tener un buen registro de que es lo que están haciendo en ese momento. Uno no se puede olvidar de los personajes y prestarle demasiada atención a las escenas de acción. Durante la gran persecución que hay en la película, a pesar del jeep, la motocicleta y el sidecar, lo más importante era mantener la cámara en el rostro de los personajes y que quedara claro qué era lo que sentían sobre lo que les estaba pasando, y eso vale incluso para Milú. Para mí Milú era tan humano como Tintín o Haddock, y siempre debíamos tener plena conciencia de lo que estaba haciendo en cada imagen de la película". (Fuente: Dirigido Por...)

Me gustaría que aquellos que dicen que Spielberg sacrifica a los personajes en pos de una vacua espectacularidad volvieran a ver esa escena de acción en la que, gracias al uso del plano secuencia, jamás se despega de los protagonistas. Incluso en los momentos de acción más trepidantes lo más importante siguen siendo los personajes. En cada una de las numerosas set pieces que jalonan el metraje la gracia radica en la perfecta coreografía de movimiento de personajes seguidos por la cámara, con el acompañamiento del sonido y la música (por cierto, qué maravilla de partitura la compuesta por John Williams. Una nueva obra maestra de uno de los más grandes). Cine puro y duro que recuerda a esas grandes secuencias del cine mudo protagonizadas por Harold Lloyd, Charles Chaplin o Buster Keaton, referentes manejados tanto por el Spielberg de Indiana Jones como por Hergé. Nada de grandes explosiones y destrucción a lo Michael Bay o Roland Emerich, dos de los grandes males del cine de acción y aventuras moderno. El único momento en el que la acción se hipertrofia en Tintín es cuando se muestra la gran batalla naval protagonizada por el antepasado de Haddock, pero se debe tener en cuenta que está narrada por el propio Haddock en un tono grandilocuente, por lo que la desmesura se justifica a través del punto de vista. En la secuencia de acción final se recupera ese tono porque es un reflejo de aquélla. Cabe señalar también en este apartado la magnífica presentación del protagonista, con la que Spielberg parece decirle al espectador: "aquí tenéis al Tintín de Hergé y aquí está el nuestro. Son diferentes y la vez son el mismo". Hay quien ha dicho que se trata de un gesto de desprecio de Spielberg a la simpleza del dibujo de Hergé, pero eso me parece que solo puede ser fruto de una irracional animadversión hacia el genial director que escapa a mi entendimiento. Igual que decir que el guión es un simple corta y pega de elementos cogidos de El Cangrejo De Las Pinzas De Oro, El Secreto Del Unicornio y El Tesoro De Rakhan El Rojo, cuando en realidad Steven Moffat (conocido por su adaptación al siglo XXI de otro personaje mítico, Sherlock Holmes, en la magnífica serie Sherlock), Edgar Wright (el brillante director de Zombie's Partie y Scott Pilgrim Contra El Mundo) y Joe Cornish (prometedor director que triunfa estos días en todo el mundo con la todavía inédita en España Attack The Block) han trenzado maravillosamente las historias que a Spielberg le interesaba mostrar en esta primera parte; o que se ha producido un proceso de infantilización respecto a los tebeos, cuando se da una visión del alcoholismo de Haddock que roza lo políticamente incorrecto, se introduce un chiste de zoofilia o se refleja la violencia de una forma mucho más dura que sobre el papel. Me parece que con tal de menospreciar la adaptación, se ha mitificado el original hasta extremos delirantes. Ahora va a resultar que Tintín era un cómic solo apto para mayores de 18 años, cuyos personajes parecían haber sido creados por Chéjov.

Pero sigamos a lo nuestro. Otra muestra del cariño que Spielberg ha puesto en el proyecto la hayamos en los títulos de crédito, donde aparece como Lightning Consultant (es decir, Consultor De Iluminación). Y es que se han insertado efectos lumínicos tan queridos por Spielberg como los halos o los planos a contraluz.

En todo caso, si no ha quedado claro ya que para Spielberg la tecnología no es más que una herramienta estética y narrativa les dejo con una última reflexión por su parte:

"Hay muchas cosas que la técnica nos puede ofrecer, pero también es cierto que puede llegar a ser peligrosa. Si avanzamos demasiado en la forma en que exhibimos nuestras películas, en la forma en que se realizan, toda la atención estará puesta en la novedad, y se pagará menos por los libretos, las buenas ideas y los guionistas, porque las historias se volverán irrelevantes. La gente terminará pagando sus entradas solo para ver el evento tecnológico. Lo que me asusta es que a medida que la tecnología avanza, los jóvenes guionistas pueden sentirse menos estimulados para buscar su voz y comunicarnos cuál es su visión del mundo. Si llegamos a ese punto, la industria del cine se encontrará en un gran aprieto". (Fuente: Dirigido Por...)

Soy fan de los cómics de Tintín desde que a los 12 años leí todos los libros de un tirón y gracias a este film he revivido esa pasión juvenil. Gracias, señor Spielberg. Gracias, señor Jackson.

ESTO NO ES HBO, ES "FORBRYDELSEN"

2011-11-02T00:54:00.000Z

Escribo esto cuando acabo de ver el capítulo 20 y último de la primera temporada de Forbrydelsen (El Asesinato), también conocida en el mundo anglosajón, y por extensión en el resto del imperio, como The Killing. Pero no hay que confundirla con The Killing, el remake estadounidense de la serie original danesa que se emite estos días en La Sexta. No he visto el mencionado remake americano, pero después de ver la serie original no veo con buenos ojos que los estadounidenses rehagan una serie de semejante calidad solo para adaptarla a su gusto y evitar los subtítulos, ya que allí no existe el doblaje. En Reino Unido, por ejemplo, la BBC Four emitió la serie original en prime time con subtítulos y fue un auténtico bombazo de público y crítica. ¿Y cuáles son las razones del éxito de esta serie de la que se habla tanto estos días a raíz de su emisión en España a través de canales de pago? Voy a intentar explicarlo sin revelar ni un solo detalle de la trama a excepción de su punto de partida. Se la está comparando mucho con Twin Peaks por el mero hecho de que ambas comienzan con el asesinato de una adolescente y todo gira en torno a la investigación posterior, pero ahí terminan las similitudes, así que la comparación no puede ser más simplista. Twin Peaks era puro David Lynch y Forbrydelsen recuerda más a El Silencio De Los Corderos (Johathan Demme) o Seven (David Fincher), y en ambición narrativa a The Wire. ¿He dicho The Wire? Sí, he dicho The Wire. ¿Y por qué procede aquí mencionar la que para muchos, entre los que me incluyo, es la mejor serie de la historia de la televisión? Pues porque Forbrydelsen proporciona unas sensaciones tan parecidas a las de The Wire que me va a costar explicar las diferencias. La única gran diferencia que veo entre una y otra es el tipo de relato que proponen ambas. La serie creada por Soren Sveistrup es lo que Hitchcock llamaba algo despectivamente un "whodunit" (un relato en el que todo gira entorno a un misterio: "¿quién cometió el asesinato?"). A Hitchcock no le gustaban este tipo de narraciones a lo Agatha Christie porque iban en contra de su idea de suspense. Pensaba que, si el espectador sabía desde el minuto 1 de la película quien era el asesino, iba a sufrir 90 minutos de suspense hasta ver como éste era atrapado, mientras que, si tenemos que esperar hasta el final de la película para saber quién es el asesino, solo disfrutaremos de unos segundos de sorpresa. Pero en Forbrydelsen se resuelve muy bien el problema de este tipo de relatos convirtiendo a gran parte de los personajes que aparecen a lo largo de la trama en sospechosos, generando el consiguiente suspense y dibujando así, de paso, un mapa humano de lo más sombrío.

Todos los personajes tienen algo de lo que avergonzarse e incluso los dos personajes más íntegros (la policía Sarah Lund y el concejal Troels Hartmann, que cobran vida, una frase tópica que aquí alcanza todo su significado, gracias a las excelsas interpretaciones de Sofie Grabol y Lars Mikkelsen) acabarán tocados tras pasar por tan dura experiencia. Vale, sí, se puede aducir que las novelas de Agatha Christie también están plagadas de sospechosos, pero lo que allí no es más que un juego intelectual aquí contiene unas implicaciones morales que elevan la narración por encima de lo simplemente lúdico. Y eso es precisamente lo que emparenta esta serie con The Wire, el detenimiento que se toma en la presentación de los personajes, así como en desarrollar su evolución y sus motivaciones proporcionando una sensación muy parecida a la de la lectura de una novela... de Henning Mankell, por ejemplo, un referente inevitable tratándose de un thriller escandinavo. Y es que en Forbrydelsen se toman la friolera de 20 episodios para resolver un caso que los protagonistas de C.S.I. Nueva York, Las Vegas, Miami o la Conchinchina solucionarían en uno solo, pero, claro, es que en la realidad los policías no van tropezándose con las pruebas por ahí ni cuentan con una tecnología que ríete tú de Star Wars o una intuición que ni Sherlock Holmes. Los policías de esta gran serie danesa cometen errores que alargan la resolución del asesinato, pero no debido a su torpeza, sino a la complejidad de una realidad que sobrepasa sus capacidades individuales. Ninguno de ellos alcanza a tener una visión global de lo que sucede, pero por suerte el espectador sí, esa es la grandeza de la buena ficción. Ya he mencionado a los dos actores principales pero no quiero terminar este artículo sin destacar la excelencia de unos intérpretes desconocidos por el gran público, pero cuyas caras sonarán a los seguidores del cine de Lars Von Trier y del movimiento Dogma. Bueno, no puedo evitar volver a detenerme en la heroína de la función, Sarah Lund (Sofie Grabol), desde ya, personaje y actriz, una de mis favoritas.

También deseo añadir, por último, que la puesta en escena no tiene nada que ver con lo que antes se conocía como televisiva o puramente funcional, estamos ante casi 20 horas de buen cine, con capacidad de sugerencia y de crear atmósfera. Solo me queda decir que, por supuesto, ya estoy a la caza de la segunda temporada.

HUMOR Y TERRORISMO: "FOUR LIONS" (CHRISTOPHER MORRIS)

2011-10-23T01:11:00.000+01:00

Existe un gran número de ignorantes que atribuye a Woody Allen una frase que en realidad pronuncia en Delitos y Faltas el personaje interpretado por Alan Alda, uno de los más estúpidos creados por el gran director neoyorkino. He aquí la prueba:

Esa manía de atribuirle a un autor frases que en realidad pronuncian sus personajes puede conducir a lamentables errores, como tomar por profundo lo que a poco que se analice se revela como una gran simpleza. Y es que la comedia puede ser mucho más que eso, puede ser un arma que nos permite ridiculizar el fanatismo explícito en ciertas actitudes, por ejemplo. En plena Segunda Guerra Mundial dos grandes genios de la comedia como Ernest Lubitsch y Charles Chaplin se atrevían a realizar Ser O No Ser (1942) y El Gran Dictador (1940), respectivamente. Durante el franquismo Berlanga y Buñuel esquivaron la censura a pesar de burlarse de la miseria moral que dominaba España en obras maestras como El Verdugo, Plácido o Viridiana. Sin embargo, a pesar de esta ilustre tradición, en 30 años de democracia casi nadie se había atrevido en España a burlarse de los fanáticos de E.T.A., solo los chicos del programa de ETB Vaya Semanita en algunos memorables sketches que me he permitido seleccionar para esta alegre ocasión.

Pero para que nadie les tache de sectáreos estos chicos también se atreven con los islamistas, no se crean. Vean la prueba:

Pero de lo que se trataba, aparte de celebrar con humor la despedida de E.T.A., claro está, es de hablar de Four Lions. ¿Y qué les puedo decir de ella? Pues que es de agradecer una arriesgada propuesta como esta, que combina el cine social a lo Ken Loach en lo formal con el salvaje humor a lo Monty Python para ofrecer al angustiado espectador actual una vía de escape sin rehuir la reflexión. Por fin alguien se atreve, en estos tiempos tan políticamente correctos, a afrontar el terrorismo islámico desde el punto de vista de la comedia. Aunque no sea una obra maestra, como las antes mencionadas, démosle una cálida bienvenida a tan ilustre club.

UNA NOCHE CON JAVIERA MENA EN EL TEATRO LARA

2011-10-17T19:48:00.000+01:00

Quinientos años después de que Colón llegara a América los sudamericanos encontraron una forma retorcida y despiadada de vengarse de sus conquistadores: el pop latino. Parece como si desde el otro lado del atlántico una mente malvada pensara: "Ahora, españolitos de mierda, os vamos a mandar a Maná, para que os jodáis, ja, ja, ja..." o "Meteos por el culo a Carlos Baute" o "Si Shakira y Piqué ya daban cosica por separado vais a ver ahora los dos juntos". Lo extraño es que miles de españoles recibieron a estos enviados del diablo con los brazos abiertos, lo cual constituye una prueba irrefutable de que la teoría de Darwin se ha quedado obsoleta, alguien debería empezar a formular ya La Teoría De La Involución De Las Especies. Porque antes de que este inexplicable fenómeno se produjera vivimos en España unos años en los que, al fin, nuestro país encontró su lugar en el mapa del pop mundial. En los años de la famosa y reivindicada movida madrileña España, aunque evidentemente no era oro todo lo que relucía, estuvo en la misma ola musical que arrastraba a Estados Unidos y Reino Unido, todo un hito histórico que no se había producido hasta entonces.

Javiera Alejandra Mena Carrasco es chilena y cuando la new wave dominaba en el mundo del pop apenas había nacido; pero nada de eso importa en su música, ya que las referencias al folclore de su país se reducen a un suave acento y musicalmente se siente más cercana a lo que escuchaba durante su más tierna infancia que al pop actual. Así, en su primer disco, Esquemas Juveniles, nos llevaba de las melodías pop a lo Bacharach a los sonidos electrónicos de finales de los 70 y principios de los 80. Esa senda más relajada marcó la primera parte del concierto. Pero ese primer disco ya incluía una versión de ese gran hit europop ochentero cantado por Fiordaliso y llamado Yo no te pido la luna (Non voglio mica la luna), que era toda una declaración de intenciones. En su segundo y último disco hasta la fecha, titulado simplemente Mena, se desmelena por completo y se presenta como una desprejuiciada cantautora pop, con la épica hedonista a la par que melancólica de Pet Shop Boys o New Order como gran referencia. Ese fue el sentimiento que marcó una segunda parte de concierto apoteósica con la chilena sacando a relucir las lentejuelas ante un público entregado al baile. Quedó claro que esta chica tiene el talento y la actitud para convertirse en una gran estrella, pero, por desgracia, casi nadie la conoce. Es una pena, porque temazos como Hasta La Verdad, Al Siguiente Nivel, Esquemas Juveniles o Luz De Piedra De Luna merecerían convertirse en hits globales, pero está claro que corren otros tiempos. Y es que en la industria actual, si no estás dispuesto a hacer cientos de concesiones, lo llevas claro. Vamos, que si no vistes como una mamarracha, no enseñas carne y no haces música para gente a la que no le gusta la música, estás condenado a no salir del circuito indie. Bueno, al menos la acústica de un pequeño teatro es mucho mejor que la de una gran sala de conciertos o un gran estadio. Eso que salimos ganando.

Esquemas Juveniles

Mena

PROGRAMA DOBLE: "EL ÁRBOL DE LA VIDA" & "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS"

2011-10-03T19:22:00.001+01:00

EL ÁRBOL DE LA VIDA (Terrence Malick)

Hay dos afirmaciones del famoso arquitecto Mies van der Rohe que Malick debería haber tenido en cuenta antes de perpetrar su última película: "Menos es más" y "Dios está en los detalles". Lo primero se refiere a que el buen artista debe expresar lo máximo con los menores elementos posibles y lo segundo a que la belleza nunca es obvia. Aplicándolo al cine, podríamos decir que una película jamás ha de ser perfecta sobre la pantalla, solo debemos pedirle al director que nos facilite las piezas necesarias para poder completar el puzle en nuestras cabezas. Las grandes películas son aquellas que mejoran a medida que las pensamos. "Las películas respiran por sus defectos", decía Truffaut. Sin embargo, esta vez Malick no se ha conformado con su archidemostrada capacidad de sugerencia; sino que, a través de un larguísimo bloque que parece hecho a base de escenas descartadas de un documental de National Geographic, se empeña en hacer obvio un discurso metafísico que debería haberse quedado en el terreno de lo misterioso. Y lo hace abandonando por unos momentos el punto de vista de los personajes para adoptar el punto de vista de nada más y nada menos que... ¿Dios? Da mucha penita, ya que gran parte de lo que ofrece esta película es magnífico, pero esos minutos pesan como una losa sobre el resto del metraje y, a su vez, dejan a Stanley Kubrick como un cineasta modesto y apocado. Es malo parecer tonto, pero es mucho peor pasarse de listo.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS (Enrique Urbizu)

En el polo opuesto de lo que hablábamos antes se encuentra el cine de Enrique Urbizu, un cineasta que no se cree más importante que el oficio al que se dedica y que no se pone por encima de los personajes a los que intenta dotar de vida. El director de La Vida Mancha sí respeta la inteligencia del espectador, no intenta abrumarle con la suya propia, y deja señas de su identidad repartidas sutilmente a lo largo de su obra, no nos escupe a la cara su ideología. Utiliza el cine de género, especialmente el thriller y el western, para poder hablar de la sociedad en la estamos inmersos sin sermonear al personal. Los diálogos, escritos junto a su inseparable Michel Gaztambide, explican lo justo. Para muestra, ese escueto "Rock 'n' Roll" que el protagonista pronuncia cuando se da cuenta de que se enfrenta a algo gordo. Urbizu es, en definitiva, un motivo de orgullo para el cine español, un heredero patrio de ese gran cine negro americano que permanece en series como The Wire, con la cual su última película comparte la diversificación de puntos de vista para dar al espectador una visión panorámica de la historia. Y ha encontrado en José Coronado a un insospechado alter ego que, basándose en la economía gestual, nos ha regalado tres de los personajes más misteriosos y carismáticos que uno recuerda: el Pedro de La Vida Mancha, el Rafael Mazas de La Caja 507 y el Santos Trinidad (qué gran nombre) de esta magnífica No Habrá Paz Para Los Malvados.

BALANCE CINEMATOGRÁFICO DEL 2011: 1ª PARTE

2011-09-24T23:35:00.001+01:00

Ahora que ya he descargado la mochila de pelis del 2010, puedo empezar con las del 2011. El orden responde a la fecha de estreno en España.

CAMINO A LA LIBERTAD (Peter Weir)

El gran director australiano construye un sólido y a ratos bello film clásico de aventuras, pero no alcanza la emoción de su obra maestra, Master & Commander: Al Otro Lado Del Mundo. En el reparto destacan un estoico Ed Harris y una bella y entrañable Saoirse Ronan.

NO CONTROLES (Borja Cobeaga)

Irregular comedia que intenta conectar con la gente que, como yo, fue un infante camino de la adolescencia en los 80 y un adolescente camino de la edad adulta en los 90. Es una comedia romántica bastante clásica que el director adorna con detalles propios de su generación. No está mal la intención, pero lo malo es que muchas de las situaciones resultan excesivamente forzadas o están mal construidas. La parte romántica y la parte cómica no terminan de encajar con armonía, parecen dos películas diferentes. Lo extraño es que funciona mejor la historia de amor entre unos estupendos Unax Ugalde y Alexandra Jiménez que unos gags que se confían en exceso a los actores; y aunque se trate de los indudablemente cómicos Julián López y Secun De La Rosa, éstos poco pueden hacer con unos personajes esperpénticos demasiado repetitivos y unas situaciones muy poco creíbles. No consigue superar el listón de la divertida, aunque tampoco redonda, Pagafantas.

TAMBIÉN LA LLUVIA (Iciar Bollaín)

Iciar Bollaín debe ser una chica super maja, con una preocupación social a prueba de bombas, pero como directora es incapaz de dotar a sus películas de algo más que una funcionalidad formal carente de la más mínima capacidad de riesgo. Aquí tenía la oportunidad de armar un bonito juego entre la filmación de una película y la realidad que circunda al rodaje, pero la desaprovecha debido a que, como siempre, sus preocupaciones sociales acaban pesando más que las cinematográficas. Los personajes no son más que piezas de un discurso construido para convencer al espectador de una idea, lo cual es absurdo porque el público potencial de este tipo de películas ya va previamente convencido. Es un cine que parece dirigido a progres aburguesados con mala conciencia. Y no es lo mismo ser progre que ser de izquierdas, esto último implica un espíritu rebelde que Iciar Bollaín no tiene ni de coña. La rebeldía en el arte ha de traducirse en una obra que remueva e inquiete al espectador y creo que la visión de esta película no molestaría ni al mismísimo Rajoy.

THE GREEN HORNET (Michel Gondry)

Ser poseedor de un sello visual tan característico como el de Gondry es, sin duda, una gran virtud, pero también puede ser una carga. En este film el director de La Ciencia Del Sueño renuncia a su sofisticada estética casera en pos de un estilo más convencional, lo cual le ha granjeado las peores críticas de su carrera. Pero la verdad es que la película cumple sobradamente como divertimento sin pretensiones. Es fácil identificarse con ese niño grande llamado Seth Rogen y Jay Chou, que interpreta a Kato, es toda una revelación. De haber estado dirigida por un director con menor renombre, creo que la acogida crítica habría sido más amable.

LA DANZA (Frederick Wiseman)

Pocas veces sale uno del cine con una sensación tan clara de haber visto una obra maestra. En este caso, es un documental acerca del Ballet De La Ópera De París, en el que el veterano director consigue transmitir al espectador profano la fascinación por un arte condenado al elitismo sin recurrir a la molesta voz en off vendiéndonos la moto o a la típica sucesión de personajes hablando a cámara tratándonos de convencer con epítetos grandilocuentes. Como gran cineasta que es, Wiseman hace honor a su apellido dejando que el espectador se impregne poco a poco de ese mundo confiándose a la imagen, el montaje y el sonido. Cine puro y duro, que no por ser documental deja de ser narrativo.

DE DIOSES Y HOMBRES (Xavier Beauvois)

A pesar de no ser una persona espiritual creo que soy capaz de apreciar la dificultad de asir la espiritualidad en el cine. Un arte tan basado en la concreción de la imagen como el cine parece estar reñido con lo intangible, por eso cuando directores como Beauvois consiguen captar momentos de recogimiento como los que viven estos monjes al borde de la muerte tiene un mérito enorme; que además lo haga sin forzar la simpatía del espectador hacia ellos, dejándonos libertad para decidir lo acertado o no de su actitud, ya es de sobresaliente.

ANIMAL KINGDOM (David Michôd)

Si las relaciones familiares normales ya son difíciles, cuando se trata de un grupo de delincuentes acosados por la policía todo puede acabar como el rosario de la aurora. Pero más que en la violencia, el director se recrea en el suspense que la precede, proporcionando al espectador un relato repleto de tensión con puntuales estallidos de violencia mostrados de una manera extremadamente cortante. Habrá que seguir la pista de este director australiano porque ha evidenciado su talento para dotar de frescura contemporánea a un relato que bebe del cine negro clásico.

EL DEMONIO BAJO LA PIEL (Michael Winterbottom)

No he leído la novela de Jim Thompson en la que se basa esta película, pero sí 1280 Almas, con la que guarda no pocas concomitancias. De nuevo, estamos ante el retrato de un nada ortodoxo representante de la ley en un pueblo de la llamada América Profunda. La diferencia es que aquí se trata de un verdadero psicópata que aprovecha la impunidad que le proporciona el cargo para dar rienda suelta a su extremo sadismo. Winterbottom consigue dotar a la película de una atmósfera malsana, que hace de la visión de la misma una experiencia poco agradable, lo cual está bien porque es lo que el relato está pidiendo. Sin embargo, llama la atención que haya caído en un defecto muy habitual en el cine hollywoodiense, el contraste entre unas escenas de violencia muy explícitas y unas escenas de sexo muy pacatas. Ha tenido que pagar el precio de trabajar con actrices tan insulsas como Jessica Alba o Kate Hudson, que palidecen ante la intensidad de Casey Affleck. En todo caso, es una película en la que subyace una dura crítica al poder y al espejismo del sueño americano, que cuenta con las suficientes virtudes como para interesar a los amantes del cine negro.

BALANCE CINEMATOGRÁFICO DEL 2010. PUNTO Y FINAL

2011-09-15T21:54:00.002+01:00

Ejem, ya estamos en septiembre del 2011 y yo sigo con el repaso al 2010. Sí, es lamentable, así que he decidido que de hoy no pasa, voy a repasar todas las pelis de una tacada, así que prepárense para un post bastante largo con el que espero que perdonen esta larga ausencia.

LAS REGULERAS

En este grupo he englobado a aquellas pelis que no llegan a ser un bodrio absoluto, pero que me parecen definitivamente fallidas.

SHERLOCK HOLMES (Guy Ritchie)

Como ya dije, no está mal para ser de Guy Ritchie, pero tampoco es para echar cohetes.

NINE (Rob Marshall)

Partiendo del interesante experimento cinematográfico dirigido por Fellini, se queda en una simple reunión de estrellas femeninas dándolo todo. Algunas, como Nicole Kidman o Sofia Loren, ya es bien poquito lo que pueden dar. Las estrellas jóvenes son las que animan un poco la función.

AIRBENDER: EL ÚLTIMO GUERRERO (M. Night Shyamalan)

Es la peor película de Shyamalan, de acuerdo, ¿pero merecía ser recibida con tanta saña?. En absoluto. Sí, el argumento es un poco simple y le falta chispa aventurera, ¿pero no le pasa lo mismo a Avatar? Además, el minimalismo con el que están rodadas las escenas de acción (casi todas en plano secuncia) le otorga un encanto anacrónico que para sí querría el engreído director de ese plagio de Los Pitufos a gran escala.

CARANCHO (Pablo Trapero)

¿Se imaginan un anuncio de la Dirección General de Tráfico que durara 2 horas? Pues ya tienen una idea de lo que es Carancho. Tal acumulación de emociones fuertes comienza impactando, pero termina hartando hasta perder la credibilidad.

TAMARA DREWE (Stephen Frears)

Al menos, hay tres motivos para ver esta película: Gemma Arterton, Gemma Arterton y Gemma Arterton. Bueno, siendo bueno, podría añadir un cuarto: Gemma Arterton. Cuando ella aparece, subidón, y cuando no, bajón. En el fondo es una comedia bastante tontorrona que se las da de inteligente. Pelín repelente, vamos. Para disfrutar de Gemma Arterton en todo su esplendor vean mejor la inédita en España The Disappearence Of Alice Creed.

FLAMENCO, FLAMENCO (Carlos Saura)

Independientemente de la brillantez de algunos números y del indudable talento de todos los artistas flamencos que aparecen, el valor cinematográfico de la propuesta es nulo, pura fórmula. Todo queda como muy mono y falto de la garra que exige este género musical.

BIUTIFUL (Alejandro González Iñárritu)

Ya tengo el título para una futura parodia de esta película y similares: Mugre Movie. Y es que no entiendo ese afán en recrearse en la mierda y el dolor ajeno. Además, el argumento es de lo más sencillo, pero se alarga y alarga a base de subtramas totalmente innecesarias hasta los 145 minutos. Vamos, que Iñárritu es una especie de James Cameron de la miseria.

FISH TANK (Andrea Arnold)

Seguimos en el género Mugre Movie, aunque ésta, más modesta que la de Iñárritu, no se me hizo tan insoportable. Se deja ver sin demasiados sobresaltos y a mí me sirvió para descubrir a un actor prodigioso, Michael Fassbender.

LAS INTERESANTES

En este grupo incluyo aquellas películas en las que reconozco muchos puntos de interés, pero que no me han llegado tanto como para constar entre mis favoritas. Ya vamos llegando al meollo del asunto porque aquí ya empieza a haber grandes películas.

TENIENTE CORRUPTO (Werner Herzog)

Es una relectura en clave cínica del estupendo film de Abel Ferrara. A pesar de las simpatías que me despierta el film, no conseguí conectar con ciertas salidas de tono, que pueden ir muy bien para retratar al politoxicómano protagonista, un estupendo Nicholas Cage en un papel hecho a su medida, pero que a mí me sacaban de situación.

UN TIPO SERIO (Joel & Ethan Coen)

Reconociendo el, casi siempre, espléndido trabajo de realización de los Coen y que se trata de uno de sus films más personales, esta vez no conseguí entrar del todo en su mundo.

RICKY (François Ozon)

Al principio me resistía a verla, pero a pesar de mis problemas para mantenerme despierto hasta el final (en absoluto achacables a la película, sino a que me voy haciendo viejuno) tengo que reconocer que me acabó gustando. Lo estrambótico del argumento y de su plasmación en pantalla no impide la implicación emocional del espectador con los personajes, lo cual tiene un enorme mérito. Es una fábula adulta que funciona.

LA CARRETERA (John Hillcoat)

En un futuro distópico un padre y un hijo luchan por mantener viva la llama de la humanidad, el último gramo de dignidad que les queda. Es un film terrorífico a la vez que entrañable al que puede que le falte un poco más de mordiente cinematográfica. Demasiada corrección, demasiado cálculo.

I'M NOT THERE (Todd Haynes)

No hace falta ser fan de Bob Dylan para disfrutar de este filme en el que Todd Haynes vuelve a dar muestras de su enorme cultura visual y de su talento para capturar la estética de décadas recientes. Para mí resulta algo irregular porque no todas las épocas del retratado resultan igualmente subyugantes. La parte interpretada por Cate Blanchett se lleva la palma gracias a ella, al maravilloso blanco y negro y a que refiere la polémica etapa de electrificación del músico. Richard Gere protagoniza la parte más endeble.

AN EDUCATION (Lone Scherfig)

Película que retrata la iniciación al mundo adulto de una adolescente en el Londres de los años 60. No hacía falta nada más para despertar mi interés. Si a eso le sumamos unas estupendas interpretaciones y una buena ambientación, ya tenemos una buena película. Buena, sí, pero no excepcional, le falta algo más de osadía.

FANTASTIC MR. FOX (Wes Anderson)

Le había perdido un poco la pista a este director, ya que no llegué a conectar con el humor de Academia Rushmore o Los Tenembaum y no vi sus dos siguientes películas. Pero este estupendo film de animación me ha conciliado con él y estoy dispuesto a darle una oportunidad a Life Aquatic y Viaje a Darjeeling.

LA ÚLTIMA ESTACIÓN (Michael Hoffman)

Agradable drama histórico en torno a los últimos días de Leon Tolstoi. Grandes interpretaciones y un original argumento que conjuga política, amor, amistad y literatura.

MI REFUGIO (François Ozon)

Segunda película de Ozon en esta lista, parece que está en buena forma este chico. Es como un homenaje a la maternidad en el que una inmensa Isabelle Carré (sin prótesis, está embarazada de verdad) interpreta a una mujer que, tras quedarse embarazada, se ve obligada por las adversas circunstancias a iniciar un camino de redención y autoconocimiento.

AIR DOLL (Hirokazu Kore-eda)

Si no fuera por una segunda parte excesivamente dispersa, estaríamos hablando de una de las grandes películas del año. Aún así, el hecho de que Kore-eda extraiga poesía de situaciones tan fantasiosas y sórdidas resulta un logro al alcance de muy pocos que le sitúa entre los grandes directores del mundo. Es como una especie de Pinocho para adultos protagonizado por una muñeca hinchable. Hasta ahí puedo leer.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (Woody Allen)

Otra gran película del maestro que quizá pase desapercibida por no ser una de esas obras maestras a las que nos malacostumbró hace años. Con un par de vueltas al guión y una realización más concienzuda podría haberlo conseguido porque el neoyorquino no ha perdido ni un ápice de su sabiduría a la hora de hablarnos de las debilidades humanas.

BRIGHT STAR (Jane Campion)

La directora de El Piano vuelve al terreno que la hizo famosa, el drama histórico-romántico, pero parece que el mundo ya no está para cursiladas porque ésta no ha tenido, ni mucho menos, el éxito de aquella. Atención a la protagonista, Abbie Cornish, a la que se puede ver como una de las chicas guerreras de Sucker Punch (Zach Snyder).

EL AMERICANO (Anton Corbijn)

El director de la también estupenda Control nos ofrece este esteticista thriller por el que pulula el espíritu de Jean Pierre Melville, en el que sigue con precisión los movimientos de un sicario excelentemente interpretado por George Clooney. Es un filme manierista que disfrutarán los cinéfilos, pero al que le falta una historia romántica más solida para acabar de redondear una propuesta tan apetitosa.

EL GRAN VÁZQUEZ (Óscar Aibar)

El director de la interesantísima Platillos Volantes vuelve a demostrar lo bien que se mueve entre extraños personajes reales de la España franquista. De lo mejorcito del cine español del año pasado, también gracias a un Santigo Segura descomunal.

PA NEGRE (Agustí Villaronga)

Justa ganadora, por sorpresa, del Goya a Mejor Película. La pena es que Villaronga ha logrado el mayor éxito de su carrera con su película más impersonal. Solo en la espeluznante escena del caballo cayendo por un precipicio se puede apreciar su talento surrealista.

RUMORES Y MENTIRAS (Will Gluck)

¿Hay inteligencia en la comedia adolescente? Puede que en general no, pero de vez en cuando surgen películas como ésta que consiguen que recuperemos la confianza en ese subgénero tan denostado. Además, sirve para descubrir el inmenso talento y atractivo de Emma Stone. Sus momentos junto a esos padres de película interpretados por Patricia Clarkson y Stanley Tucci son impagables. Después de ver esta película entenderán porqué Jim Carrey ha confesado estar enamorado de la actriz protagonista.

CAZA A LA ESPÍA (Doug Liman)

El director del primer Bourne consigue una película sobre la guerra de Irak mucho más interesante que Green Zone, dirigida por Paul Greengrass, lo cual me reafirma en la idea de que la mejor película de la saga Bourne es la primera y en que el director de las siguientes es uno de los grandes bluffs de la década. Solo me queda añadir que Naomi Watts, como siempre, y Sean Penn (oh, cielos, más contenido que nunca) están estupendos.

THE TOWN (Ben Affleck)

Una vez perdido el efecto sorpresa de Adiós, Pequeña, Adiós, el pequeño de los Affleck sigue demostrando buen pulso para introducirse en el submundo de la delincuencia de extrarradio. Ya estoy esperando su próxima película como director, no me importaría que dejara su carrera de actor.

NEDS (Peter Mullan)

Quizá el primer premio en un gran festival como el de San Sebastian le viene grande, aunque el historial del palmarés de San Sebastian es lamentable, pero es una película que se introduce en el sórdido mundo de la violencia infantil con el respeto y la sabiduría que otorga la experiencia personal. Además, lo hace con una estilizada realización que, como en el caso de Affleck, nos habla de un actor interesado por todos los aspectos del arte cinematográfico, no solo por la interpretación.

BALADA TRISTE DE TROMPETA (Álex De La Iglesia)

Parece como si, después de la insulsa Los Crímenes De Oxford, el director bilbaíno hubiese sentido la necesidad de radicalizar su discurso. Desde luego, lo ha conseguido y eso es loable, pero se le ha ido demasiado la mano. Si tenemos en cuenta que es su primer guión sin la intervención de Jorge Guerricaechevarría, podríamos llegar a la conclusión de que el gracioso del tándem es el tímido guionista más que el megalómano director porque eso es, precisamente, lo que le falta a esta película, afinar el sentido del humor frente a tanto estrambote. Eso sí, contiene una secuencia de créditos admirable y momentos memorables como la secuencia final en la Cruz De Los Caidos (que algo que ves todos los días al ir a trabajar se convierta en escenario de una película impresiona) o ese en el que, tras el asesinato de Carrero Blanco, el payaso interpretado por Carlos Areces se acerca al coche de los terroristas y les pregunta: "¿De qué circo sois vosotros?". Por cierto, durante los actos de acogida a los peregrinos del JMJ en Salamanca viví un momento Álex De La Iglesia. A los responsables pertinentes no se les ocurrió otra cosa que recibir a los jóvenes católicos con un grupo de payasos actuando sobre el escenario montado en la Plaza Mayor. Pobrecillos, les tratan como a niños de 5 años, van a acabar todos traumatizados.

EL DISCURSO DEL REY (Tom Hooper)

Va a pasar a la historia como la película que le robó el Oscar a La Red Social y es una pena porque, de no haber ganado tantos premios inmerecidos, habría quedado como la bonita historia de amistad y de superación personal magníficamente interpretada que es. La película modesta que no molesta a nadie y que genera consenso ha vuelto a triunfar sobre la ambición creativa que genera polémica. Es lo normal, pero no por eso deja de ser indignante. Es una película bonita, con muy buenas interpretaciones y poco más. Lo de que se premie a su director, que lo único interesante que sabe hacer con la cámara es abusar del gran angular, es un chiste de mal gusto.

SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD (Edgar Wright)

Otro ejemplo de brillante comedia adolescente, y es que este año ha sido un gran año para el género. La verdad es que esta película arriesga con una estética de videojuego que tira para atrás, pero que finalmente se revela como uno de sus grandes aciertos. Cuando uno conoce a una chica muy popular tiene la sensación de competir contra los fantasmas de sus ex-novios, pero aquí éstos adquieren la forma de malos de videojuego contra los que el héroe se debe batir en un duelo mortal. El resultado final es una divertidísima mezcla de musical punk, comedia adolescente y cine fantástico de artes marciales. Michael Cera, el John Cusack de los 2000, interpreta al héroe, que toca el bajo en una banda de rock garajero.

ZOMBIELAND (Ruben Fleischer)

Otra divertidísima comedia fantástico-adolescente que cuenta con la deliciosa Emma Stone en un reparto encabezado por unos estupendos Jesse Eisenberg y Woody Harrelson. Lo de los zombies no es más que una excusa para reunir a un grupo de entrañables personajes marginales obligados a entenderse para superar la adversidad. Atención a uno de los cameos más memorables de la historia del cine, el cual, por supuesto, no voy a desvelar.

LA CINTA BLANCA (Michael Haneke)

Haneke hace una interesante reflexión acerca de las raíces del mal y el totalitarismo, pero resulta demasiado cerebral y algo reduccionista para mi gusto, flaquea en el aspecto emocional. Podría haber sido un gran cuento cruel, si Haneke hubiera optado por ese tono, pero se decide por un realismo (lo ha dicho él mismo, no es una simple apreciación personal) que no le viene del todo bien, ya que da la sensación de estar sermoneando al personal. De haber optado por el género fantástico no habría obtenido el mismo prestigio, pero a veces los géneros son los vehículos más adecuados para hablar de algo muy serio sin que lo parezca. A eso yo lo llamo sutileza, que es una virtud de la que Haneke no puede presumir. Sí puede presumir, sin embargo, de una bellísima factura.

CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN (Dean DeBlois & Chris Sanders)

Por primera vez en Dreamworks Animation se esfuerzan más en defender un buen guión con una magnífica animación que en hacerse los graciosos a costa de su competidora Disney (véase Shreck). Paradójicamente, al hacer su película más disneyana han conseguido su mejor film hasta la fecha, una gran cinta de aventuras plagada de escenas que quitan el hipo gracias a su apabullante perfección técnica y que incluso llega a emocionar gracias al buen diseño de personajes y a un mensaje, pacifista y ecológico, alejado del cinismo habitual de la casa. No llegan al nivel de Pixar, pero están en el buen camino.

BURIED (Rodrigo Cortés)

El gran director salmantino no solo ha salido airoso del desafío de hacer una película que transcurre de principio a fin en un ataúd, sino que lo hace con nota porque logra que el espectador salga del cine con la sensación de haber asistido a una trepidante cinta de acción y aventuras, que además se permite una reflexión en segundo plano acerca de la indefensión que sufre el hombre moderno, manipulado por fuerzas que es incapaz de controlar. El ataúd no funciona solo como espacio físico, sino también como una metáfora a la que el director se mantiene fiel hasta el final. Chapeau!

EN TIERRA HOSTIL (Kathryn Bigelow)

Esta película no está tan lejos de Le Llaman Bodhi como puede parecer y es que, aunque trate un tema con tanta carga política como la guerra de Irak, la exmujer de James Cameron no puede evitar caer en lo que más le gusta, algo que yo denomino "abstracción testosterónica". ¿Por qué esta definición? Pues porque para esta mujer el tema es lo de menos, lo que a ella le gusta es ver a chicos musculosos enfrentándose a mil peligros, dándose mamporros o disparándose entre sí. Es cine de acción puro y duro, sin tonterías. Eso que debería hacer James Cameron porque es lo único que sabe hacer (nunca ha superado lo logrado en sus dos Terminator y en Aliens), pero que no hace porque se cree Spielberg. Ver a la Bigelow limpiarle el Oscar a Cameron y a su infumable Avatar es uno de esos pequeños placeres que la vida te depara.

TWO LOVERS (James Gray)

El director de La Otra Cara Del Crimen se confirma como uno de los porta antorcha de ese cine norteamericano tan apegado a la realidad como pendiente de una solidez formal labrada a base de décadas de experiencia que tuvo en la llamada generación de la televisión (Sidney Lumet, John Frankenheimer, Arthur Penn, Robert Mulligan, etc.) a sus principales valedores. El peso de la familia es la gran obsesión de este interesantísimo autor a contracorriente del actual Hollywood.

IO SONNO L'AMORE (Luca Guadagnino)

¿Han oído alguna vez la expresión "ausente de cuerpo presente"? Pues algo parecido se puede decir del personaje interpretado por Tilda Swinton al principio del film. Pocas veces se ha expresado tan bien en la pantalla esa sensación de no estar en el mundo, de vivir una vida que no es la tuya. La película cuenta magníficamente el proceso a través del cual una muerta viviente vuelve a tener contacto con el mundo, con las sensaciones que una vida acomodada, pero vacía, le había hecho olvidar. Y lo hace de una forma totalmente visual, nada discursiva, lo cual tiene todavía más mérito.

LOLA MONTES (Max Ophüls)

Recuerdo que sentí una gran decepción al ver hace años Lola Montes en televisión. Esa copia amarillenta, doblada y mutilada no respondía a las expectativas generadas en torno al filme maldito del gran Max Ophüls. Sin embargo, la copia restaurada y digitalizada que tuve ocasión de ver gracias a los Cines Verdi de Madrid hace unos meses no solo responde a las expectativas; sino que las supera. Es una sinfonía de movimientos de cámara en Technicolor y Cinemascope; un ejercicio de estilo en el que el director vienés exhibe su gusto por los relatos episódicos en constante movimiento, aunque en este caso todo gire en torno a la protagonista que da título al filme. Sin ser una película musical, la cámara se comporta como si danzara alrededor de los actores, lo cual, unido a un virtuoso manejo de la escenografía, sumerge al espectador en un placentero estado de ensueño. Usa el circo y el teatro como metáfora de la vida, pero Lola Montes es cine en estado puro: algo que nace como una gran mentira, pero que se hace verdad ante nuestros ojos a 24 fotogramas por segundo. Es una obra maestra que no figura entre mis favoritas del 2010 por el simple hecho de que, al fin y al cabo, se trata de un reestreno.

LAS FAVORITAS

Hay de todo: películas americanas, europeas, asiáticas, bélicas, de cine negro, de autor, de animación, de acción real, estrenos tardíos... Ready, steady, go!

SHUTTER ISLAND (Martin Scorsese)

Puede parecer un paso atrás en la carrera del director de Casino por su ambientación retro y por ser relativamente tramposa, pero a mí me parece una magnífica demostración de que Scorsese se mantiene en plena forma y pendiente de las tendencias del cine moderno, ya que sabe dotar al film de una fuerza simbólica y dramática propia del cine de sus adorados años 50 a la vez que se adentra en el desafío narrativo que implica contar algo desde el punto de vista subjetivo del protagonista. Es una incursión en los traumas de la sociedad estadounidense de postguerra teñida de cine negro clásico.

EL ESCRITOR (Roman Polanski)

Otro film con apariencia de intrascendente que en manos del itinerante director polaco se transforma en una pieza de orfebrería cinematográfica impregnada de la ironía y la mala uva que le caracterizan. El uso de los escenarios, el punto de vista y la profundidad de campo es ejemplar.

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE (Lu Chuan)

Cuando pienso en las grandes películas bélicas me doy cuenta de que todas comparten una dualidad que resulta inquietante. Por un lado está el retrato del horror al que es capaz de llegar el ser humano (en esta ocasión uno sale del cine maldiciendo a los japoneses) y por otro la belleza de la factura técnica, como si la violencia inspirase imágenes de una belleza extrema. Hay quien dice que no se puede criticar la violencia y a la vez recrearse en ella, pero yo creo que el arte se debe mover precisamente en ese terreno pantanoso en vez de pisar sobre tierra firme. La guerra extrae lo peor y lo mejor del ser humano, la violencia sobre sus congéneres y la solidaridad de las víctimas ante la adversidad y por eso sigue siendo fuente de inspiración para magníficas películas como ésta.

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO (Hayao Miyazaki)

Aunque sea con ¡26 años de retraso!, bienvenido sea el estreno en España de este estallido de imaginación orquestado por el maestro japonés. Ojalá sigan cayendo año tras año más películas del Studio Ghibli en los cines españoles. Esta vez la ciencia ficción y el mensaje ecológico marca de la casa confluyen en un espectáculo visual fascinante. Apenas hay diálogos, es el imperio de la imagen.

KICK ASS (Mathew Vaughn)

Este año todo el mundo habla de la resurrección de los X-Men gracias a la estupenda X-Men First Class, pero a los que vimos Kick Ass no nos ha sorprendido nada la energía que su director ha sabido insuflar a una

franquicia que parecía agotada. Y es que esta película basada en el cómic homónimo guionizado por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr. es el ejemplo perfecto de como llevar a la pantalla grande la brillantez visual y el entretenimiento inteligente que proporcionan los mejores cómics. Atención a Chloë Moretz, que está enorme en uno de los personajes infantiles más potentes de la historia del cine.

ORIGEN (Christopher Nolan)

Pocos directores en la historia del cine pueden presumir de la coherencia que atesora el director de origen británico en sus proyectos más personales, los alejados de Batman. Desde la balbuciente Following hasta la brillante Origen, pasando por las magistrales Memento y The Prestige, Christopher Nolan, con la inestimable colaboración de su hermano Jonathan en los guiones, ha ido conformando una obra en la que ha sabido fusionar con sutileza su pasión por el arte cinematográfico con la base temática de sus películas. ¿Qué son éstas sino metáforas del propio cine? El cine como ladrón que roba las vidas ajenas, Following; el cine como manipulación de la memoria, Memento; el cine como magia, The Prestige, y, finalmente, el cine como fábrica de sueños, Origen. De hecho, sus películas sobre Batman podrían verse como su aportación al cine como espectáculo industrial de masas, pero yo creo que en ese terreno no ha alcanzado la pericia técnica que, por ejemplo, le sobra a Mathew Vaughn y ese es el único defecto que yo le veo a Origen, pero queda paliado por el apasionante montaje paralelo de cuatro escenas simultáneas durante el clímax final de la película.

TOY STORY 3 (Lee Unkrich)

A la calidad habitual en Pixar se une la carga emocional que aportan unos personajes entrañables con los que todos hemos ido creciendo, así que no se les puede pedir más. Bueno, eso no es más que una frase hecha así que: "más, por favor, seguid dándonos más".

Nota: Sí, lo que ven en la foto es la estantería que soporta gran parte de mi colección de películas. Necesitaba a un par de buenos vigilantes y ya los tengo.

UN PROFETA (Jacques Audiard)

El director de la magnífica De Latir Mi Corazón Se Ha Parado aumenta y perfecciona los logros de su anterior filmografía para ofrecer uno de los grandes films europeos de la pasada década. Ya no estamos ante una gran promesa, sino ante uno de los grandes del viejo continente. El polar (cine negro a la francesa) tiene en Audiard a un gran heredero que respeta la tradición a la vez que aporta su propia personalidad y un gusto muy moderno por la mezcla indiscriminada de géneros. Aquí hasta se permite un toque fantástico en forma de muerto que se aparece a su asesino, que me recordó a Un hombre lobo americano en Londres, aunque no sé si es un guiño intencionado.

LA RED SOCIAL (David Fincher & Aaron Sorkin)

Como pueden ver, he decidido que David Fincher y Aaron Sorkin figuren juntos como autores del film, ya que en este caso el sello del creador de West Wing está tan presente como el del director de Zodiac, si no más. Es algo que he podido constatar viendo los extras del DVD, donde se hace patente la presencia permanente de Sorkin tanto en los ensayos como a lo largo del rodaje. La escena de apertura no puede ser más Sorkin: un diálogo a 100 por hora plagado de matices e información relevante que sienta las bases temáticas y el ritmo endiablado que va a marcar el resto del metraje. La vieja máxima de Cecille B. DeMille ("una película debe empezar como un terremoto e ir hacia arriba") aplicada a un cine de autor cargado de contenido.

BALANCE CINEMATOGRÁFICO DEL 2010. LO PEOR DEL AÑO.

2011-02-13T10:23:00.000Z

Empiezo el repaso al cine del 2010 con las peores películas que he visto. Alguna de ellas figura en las listas de lo mejor del año de ciertas publicaciones y blogs, pero yo creo que mienten.

UP IN THE AIR (Jason Reitman)

Ni un gran George Clooney, acompañado de una atractiva Vera Farmiga y una simpática Anna Kendrick (por cierto, ¿soy el único al que esta chica le da cierto morbo?), consigue salvar del desastre a esta muestra de cine pseudo-social, demagógico y sentimentaloide.

GREEN ZONE (Paul Greengrass)

El día en que Paul Greengrass deje de contratar a enfermos de Parkinson como operadores de cámara, puede que haga una gran película, pero, mientras siga recibiendo el aplauso de una buena parte de la crítica, veo difícil que eso suceda. Quizá la indiferencia con la que ha sido recibido este último film le haga reflexionar.

VILLA AMALIA (Benoit Jacquot)

Este horroroso film bascula entre el melodrama petardo, el cine de autor trasnochado y los tópicos neohippies. Todos hemos sentido la necesidad de huir de nosotros mismos alguna vez, pero, ya que huyes de todo, haz algo entretenido, ¿no? ¿Cuánto tiempo puede seguir dando el pego Isabelle Huppert poniendo la misma cara de palo en cada papel que interpreta? A mí me gusta esta chica, pero ya le vale, no la veo en una comedia desde la estupenda No Va Más (1997, Claude Chabrol) y es una pena porque allí demostraba estar muy dotada para controlar el mecanismo interno de ese género tan difícil.

GAINSBOURG, VIDA DE UN HÉROE (Joan Sfar)

La película no está del todo mal para iniciarse en el universo Gainsbourg. Es el homenaje de un fan confeso a su objeto de culto. Lo malo es que se mueve entre la hagiografía desbocada y una forzada búsqueda de originalidad a través de la intrusión de una especie de caricatura del personaje bajo la que se encuentra el actor de culto Doug Jones, fruto de los orígenes en el mundo del cómic del autor. Lo mejor de todo es el increíble parecido de Eric Elmosnino con el personaje que interpreta y el desfile de bellezas francesas que emulan a las amantes del genio francés. Un triste detalle acompañó al estreno de la película: Lucy Gordon, quien interpreta a Jane Birkin, se suicidó poco después de finalizar el rodaje. Pero no les quiero dejar con un sabor amargo, así que admiren a este grupo de prometedoras actrices.

Laetitia Casta - Brigitte Bardot

Anna Mouglalis - Juliette Gréco

Sara Forestier - France Gall

Milène Jampanoï - Bambou

EL SILENCIO DE LORNA (Jean-Pierre y Luc Dardenne)

Es la primera película que veo de estos prestigiosos hermanos belgas, pero por lo que he leído todas sus películas son más o menos iguales, así que creo que también será la última. Entiendo el rigor hiperrealista con el que siguen a los protagonistas, huyendo de todo atisbo melodramático o de cualquier otro género, pero no me interesa nada porque estos chicos confunden el rigor cinematográfico con rodarlo todo igual. El naturalismo puede llamar la atención al principio, pero cuando ruedas con el piñón fijo puesto corres el peligro de que tu película acabe resultando fría y plana, como, en mi opinión, les sucede. Hace poco leí en una entrevista a Chabrol algo parecido a esto: "los directores de la nouvelle vague optaron por el realismo porque eso era lo más barato y más fácil de hacer". ¿Cuándo van a dejar algunos de sobrevalorar a ciertos directores por practicar un cine muy realista, vale, pero también falto de todo atisbo de creatividad cinematográfica? ¿Por qué las películas que muestran una realidad desagradable tienen que carecer también de todo atractivo cinematográfico? ¿Es incompatible una cosa con la otra? ¿Es posible un realismo más estilizado sin que se pierda la fuerza de los hechos narrados? Por supuesto que sí, véase The Wire.

THE BLIND SIDE (John Lee Hancock)

En el extremo opuesto del cine de los Dardenne está The Blind Side, pero eso no quiere decir que me guste, ya que los extremos se tocan. Ni tanto rigor europeo, ni tanta sensiblería made in U.S.A., por favor; en el término medio está la virtud. Esta película, construida con ese clasicismo y oficio característicos de Hollywood, resulta más agradable a los sentidos que la de los belgas, pero es imposible identificarse con semejante sermón dominical. Encima, tener que soportar a Sandra Bullock, que para mí podría haber ganado perfectamente el Razzie por esta película en vez del Oscar, se me hizo muy cuesta arriba.

UNCLE BOONME RECUERDA SUS VIDAS PASADAS (Apichatpong Weerasethakul)

Hay un hombre en España que pone los títulos a las películas y ha vuelto a meter la pata. Por favor, que rompa su anonimato y explique porqué poner Uncle en vez de Tío. Y de paso, que aquellos a los que les ha gustado me expliquen porqué un plano tiene que durar más tiempo del estrictamente necesario para agotar su significado o porqué causa tanta fascinación esa forma tan torpe de rodar los fenómenos fantásticos que se van produciendo a lo largo del film. Y no me refiero a los efectos especiales, sino a sentido de lo fantástico y a capacidad para arrastrar al espectador a tu mundo. No sé, puede que este Weerasethakul en el fondo sea un bromista, su forma de rodar lo fantástico recuerda bastante a Woody Allen (aunque Allen reconoce que rueda así por pereza y falta de presupuesto, lo cual no queda del todo mal cuando se busca un efecto cómico), pero tampoco llegué a captar su sentido del humor. Mi conclusión es que aquellos que la defienden con pasión se han enamorado más de un concepto (película exótica en la que se superponen varios mundos: el de la naturaleza, el de los humanos, el de los recuerdos y el de los espíritus) que de su plasmación final en la pantalla (torpe, plana e indigna de un director con tanta experiencia). Eso sí, lo del émulo de Chewaka (no es una burla, lo ha dicho el propio Weerasethakul) o lo del pez follándose a la princesa tiene su punto.

LOS MEJORES DISCOS Y LAS MEJORES CANCIONES DEL 2010

2011-01-31T20:22:00.001Z

Ya sé que llevo un montón de tiempo sin escribir, pero ha llegado el momento de publicar las listas de lo mejor del año y ya saben que a mí nunca me gusta faltar a esa cita. Además, aunque todo el mundo se empeñe en celebrarlo un año antes, el 2010 ha sido el auténtico fin de la primera década del Siglo XXI, así que también me he propuesto publicar lo mejor y lo peor de ese periodo, tanto en el terreno musical como en el cinematográfico.

Para empezar he elegido los 5 mejores discos de entre los que he escuchado a lo largo del año 2010. Hay un poco de todo lo que me gusta, aunque me he dado cuenta de algo extraño: siendo el pop británico mi estilo musical favorito, no hay ni un solo disco perteneciente a esa nacionalidad. ¿Baja forma de los compatriotas de Bowie o es que este año los grandes no han publicado disco? Lo que está claro es que en el 2010 la música más excitante del planeta provino de los EE.UU, pero creo que al repasar la década completa la cosa estará más repartida.

Dejémonos de preámbulos, empieza la cuenta atrás.

5. Klaus & Kinski / Tierra, Trágalos

Tocan todos los palos. Lo mismo se marcan una descarga de pop ruidoso que un pasodoble. Y se quedan tan anchos. Es increíble que un disco con tal variedad de registros suene tan armonioso. Por ese valiente eclecticismo y por la inspiración melódica que destila me parece el mejor disco de pop español del año.

4. LCD Soundsystem / This Is Happening

James Murphy es lo más parecido a David Bowie o David Byrne que nos ha ofrecido la pasada década. Si le tuviera que mostrar a alguien cómo suena la música del Siglo XXI, elegiría cualquiera de los tres magistrales discos entregados hasta la fecha por el neoyorquino bajo el nombre de LCD Soundsystem, proyecto en el que le acompaña el productor Tim Goldsworthy. Pasará a la historia de la música por sus fascinantes espirales electro-dance, pero cuando le da por el punk (estilo musical que marcó sus inicios), el funky, el techno-pop o el glam-rock se muestra igual de inspirado. Además, el año pasado pudimos disfrutar de su talento por partida doble, ya que también compuso la banda sonora de Greenberg (Noah Baumbach). Ya ha cumplido los 40, pero, a pesar de su aspecto desaliñado y de su incipiente barriga, sigue siendo la personalidad más cool de la música actual.

3. The Drums / The Drums

¿Es posible fusionar a Beach Boys y Joy Division en la misma canción? Antes de escuchar "Let's go surfing" yo habría contestado que no, pero estos chicos de Brooklyn han conseguido la cuadratura del círculo. El resto del disco es un conjunto de irresistibles delicias de pop nuevaolero, minimalista, fresco y sin pretensiones. Es el disco que Brian Wilson podría estar haciendo, si no anduviera un poco gagá. Pasará a engrosar las listas de los mejores debuts de la historia.

2. The Black Keys / Brothers

Tras una de las portadas más (irónicamente) simples de la historia, nos encontramos con un disco de rock garajero de alta graduación. Un LP generosísimo con el oyente, plagado de potenciales hits para un mundo perfecto. Predominan las descargas guitarreras, las cuatro canciones que abren el álbum son infalibles, destacando "Tighten Up", pero luego la cosa se empieza a calmar con temazos como "The Only One" o la alucinante "Too Afraid To Love", un baladón soul en el que impresiona el uso del clavicordio y la tremenda voz de Dan Auerbach. Y cuando la cosa parece que no puede ser mejor, se marcan un penúltimo temazo a lo Marvin Gaye, la tremenda "Never Gonna Give You Up" (nada que ver con los clásicos de Barry White y Rick Astley), en plan abusón, y cierran con la melancólica "These Days". Dis-ca-zo, cuyo único pecado radica en ser demasiado revivalista para puntuar más alto entre la crítica, pero al final lo más importante y lo que perdura son las buenas canciones y por eso creo que este disco envejecerá mejor que ciertas sobrevaloradas frutas de temporada, de las cuales daré cuenta más adelante.

1. Janelle Monáe / The Archandroid

Saluden a la nueva y verdadera reina del pop. Olvídense de Madonna, si es que alguien se acordaba de ella, o de petardas descafeinadas como Lady Gaga, Shakira, Kylie Minogue, Rihanna o Beyoncé. A ella no le hace falta vestir como una mamarracha, ir de super-cool, enseñar cacha o mover las caderas como si fuera la niña de El Exorcista, le basta con su chorro de voz y su talento para mezclar estilos tan dispares como el soft-pop angelical a lo The Carpenters o The Mamas And The Papas ("Oh, maker", "57821"), el pop-jazzístico ("Thigtrope"), el glam -rock ("Come Alive", "Mushrooms & Roses"), el funky, el R&B y todo lo que le echen. Hay que tener ovarios para marcarse un disco conceptual en la era de iTunes, pero esta chica no se amilana ante nada. Esta especie de reencarnación en vida de Stevie Wonder y Prince ha iniciado su reinado, ¡larga vida a la Reina!

DISCOS DESTACADOS

Deerhunter / Halcyon Digest

Los Punsetes / LP2

Owen Pallett / Heartland

Belle & Sebastian / Write About Love

Underworld / Barking

Caribou / Swim

Astrud & Col·lectiu Brossa / Lo Nuevo

Y ahora les dejo un playlist que he creado en Spotify con las mejores canciones del año.

Playlist: Las 20 Mejores Canciones Del 2010.

Si no tienen cuenta de Spotify, aquí pueden obtener una de forma gratuita.

BAJANDO DEL PEDESTAL

Por último voy a intentar pinchar unos cuantos globos que veo demasiado hinchados. Los discos más sobrevalorados del años son:

Kanye West / My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Cuando el efecto bola de nieve empieza es muy difícil de parar. De otra forma no entiendo que este disco haya copado las listas de lo mejor del año en casi todos los medios especializados. Claro que a los de Rockdelux (pese a todo, la mejor revista musical de España) se les ha visto el plumero, ya que eligen este álbum como el mejor del año, pero luego no aparece ni una sola canción del mismo en la lista de las 60 mejores. ¿El mejor disco pop del año no contiene ninguna gran canción? Ya les vale. Hasta les puedo recomendar una: POWER, que es la más salvable. En todo caso, puede que sea un gran álbum de rap, ¿pero no es el rap un género que ha empobrecido la música negra de las últimas décadas? Ya sé que esta afirmación puede hacerme quedar como un carca, pero a ver quién es capaz de defender con un mínimo de seriedad que Kanye West vuela a la misma altura que Miles Davis, John Coltrane, Sam Cooke, James Brown, Smokey Robinson, Ottis Redding, Al Green, Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Stevie Wonder (pre-años 80), Prince o Michael Jackson (pre-años 90). El Rey actual de la música popular negra no sería más que un bufón en una corte compuesta por toda esa gente. Y parece que eso sí se le da bien de verdad.

El Guincho / Pop Negro y Delorean / Subiza

Animal Collective han hecho mucho daño. Gran parte de la crítica flipa con esa música compuesta por "capas infinitas de sonidos multirraciales", o algo así. Y lo peor de todo es que han creado una tendencia (plaga, sería una palabra más adecuada) que ha llegado también a España. El Guincho y Delorean son sus principales valedores y han recibido el beneplácito de la crítica nacional e internacional. Pues vale, ya saben, para triunfar entre la crítica actual no tienen más que coger unos cuantos aparatitos electrónicos que produzcan sonidos exóticos e irse a grabar a un garaje para que, gracias a la reverberación, no se entienda nada.

Eso es todo, de momento. Volveré en breve con las mejores canciones de la década.

EL ÚLTIMO CHABROL: "BELLAMY" (2009)

2010-09-14T22:24:00.000+01:00

Es triste que muchas veces, cuando muere una vieja gloria del cine, lo primero que pensemos con cierta maldad sea: "Ah, ¿pero seguía vivo?". Sin embargo, Claude Chabrol, como su colega de Cahiers Eric Rohmer, se ha mantenido activo hasta el final. Qué mejor homenaje le podemos hacer, por tanto, que comentar su última película. Todavía no se ha estrenado en España, pero, al ser una película que ya tiene más de un año, se puede localizar una copia con calidad DVD y los correspondientes subtítulos a través de la red (¿Se puede hablar de pirateo cuando los distribuidores españoles no se han molestado en traer este título al mercado patrio? He visto casi todas las últimas películas de Chabrol en el cine y habría visto esta de igual forma, si se me hubiera brindado la oportunidad).

Fue un comentario positivo de Mr. Belvedere el que me animó hace unas semanas a descargar esta película, pero no me decidí a verla hasta saber de la muerte del autor de El Carnicero. Fue nuestro pequeño homenaje casero a un director que, si bien no se cuenta entre mis favoritos, siempre me ha caído simpático. Bueno, tiene tres o cuatro películas que me encantan: la que acabo de mencionar la vi de pequeño y todavía la recuerdo, así que me debió causar un gran impacto (debería revisarla algún día), de las que sí conservo un intenso recuerdo es de la fascinante El Infierno (1994), con una Emmanuelle Béart que haría exclamar al director: "Cara de ángel, cuerpo de puta", la inquietante La Ceremonia (1995) y ese delicioso divertimento llamado No Va Más (1997). En estas dos últimas contó con aquella a la que se considera su actriz fetiche, uno de los iconos del cine francés de las últimas décadas, Isabelle Hupert. He de reconocer que mis conocimientos de su obra anterior a la década de los 90 son escasos porque siempre he sido más de Rohmer y Truffaut, pero tarde o temprano saldaré esa deuda.

En cuanto a Bellamy resulta difícil no dejarse llevar por el efecto película póstuma. Es muy fácil ver en el personaje que da título al film, magníficamente interpretado por un Gérard Depardieu más comedido que de costumbre, a un alter ego del propio autor. Se trata de un famoso inspector de policía parisino que disfruta de unas vacaciones en compañía de su madura, aunque todavía atractiva, mujer (Marie Bunel) en una gran casa cercana a la turística localidad de Nimes. Enseguida veremos que el protagonista sabe disfrutar de una buena comida, una buena bebida (subyace el fantasma del alcoholismo) y un buen cigarro puro, rasgos todos ellos propios también del director galo (salvo el detalle del alcoholismo, que yo sepa) . Si a ello le añadimos la afición por las novelas policíacas (señalar al respecto un diálogo magnífico con la dependienta de una tienda de bricolaje a la que el inspector ha acudido para comprar unos tableros para hacer unos estantes: ella le hace notar que la madera que ha elegido es de baja calidad y se le combará bajo el peso de los libros, pero él le contesta irónico que eso no sucederá porque la literatura que a él le gusta es ligera), los parecidos entre personaje y director son más que razonables. Pero la cosa va más allá de esos rasgos más bien superficiales. A lo largo del film iremos descubriendo que el bonachón policía se muestra compresivo con los delincuentes a los que investiga porque es consciente de su propio lado oscuro, así como de la suerte que él ha tenido en la vida. Sabe que estar a un lado o al otro de la ley puede depender exclusivamente de la suerte. Suponemos que también el hecho de estar de vacaciones le hace alejarse de los rigores legales habituales y comportarse según le marca su propia conciencia. Se comporta más como un curioso observador de la fauna humana que le rodea que como un policía. Es como si estuviera viviendo dentro de una de esas novelas que tanto le apasionan. La visita de su hermano pequeño, con el cual mantiene una relación de reminiscencias bíblicas, servirá para terminar de perfilar al personaje y hará que el espectador entienda mejor su particular filosofía humanista. Como ven, son muchos los puntos de interés que subyacen bajo una historia policíaca aparentemente intrascendente, como suele suceder en los mejores relatos pertenecientes a este género. Chabrol demuestra tener ese talento que solo tienen los grandes para concentrar varias historias en una, para contarnos entre líneas lo que, de haber ocupado el primer plano del relato, habría dado como resultado una obra excesivamente pesada e intelectual. Me arriesgo a decir, aunque sea en caliente, que el más destacado heredero de Alfred Hitchcock junto a Brian de Palma se ha despedido de nosotros con una de sus mejores películas.

Nota bene: he conseguido hablar de Chabrol sin mencionar a la burguesía de provincias, no me digan que no tiene mérito.

REPASO CINEMATOGRÁFICO DEL 2010: LAS REGULERAS

2010-09-08T22:16:00.000+01:00

Continúo mi repaso al cine del 2010 con aquellas películas a las que he calificado de reguleras por tener algún punto de interés o ser entretenidas, faltándoles la inspiración necesaria para llegar a ser buenas películas.

NI CAPA NI ESPADA: ROBIN HOOD (Ridley Scott)

Tenemos un reparto excelente en el que destaca ese descomunal tótem de la interpretación llamado Max Von Sydow y un guión bastante apañado obra del irregular Brian Helgeland (L.A. Confidential, Mystic River). Y, como ya se ha dicho, es una especie de Robin Hood Begins, ya que se trata de remontarse a los orígenes del mito, tal como hiciera Christopher Nolan en su primera incursión dentro del mundo de El Caballero Oscuro ¿Qué es lo que falla entonces? Pues no cabe más que achacarle la falta de chispa aventurera a Ridley Scott. El otrora visionario director ha vuelto a las andadas y ha rodado al nivel de Red de mentiras, Un Buen Año, Los Impostores” o El Reino De Los Cielos en vez de volar más alto, como lo hiciera en las más interesantes Gladiator, Hannibal, Black Hawk Derribado o American Gangster. Evito comparar su obra actual con Blade Runner o Alien porque resulta demasiado doloroso asumir que se trata de dos flores de un día que nunca más germinarán. Ni siquiera tengo demasiadas esperanzas depositadas en la precuela de Alien que prepara. El ahora rácano y conservador director (me refiero exclusivamente al terreno cinematográfico, aunque pienso que fondo y forma son lo mismo) se limita a buscar planos bonitos sin conseguirlos y se revela incapaz de rodar una escena de batalla o un duelo a espada debidamente coreografiados y filmados. Como ya se ha señalado, la batalla final recuerda más allá de la duda razonable al arranque de Salvar al Soldado Ryan y, ¡horror de los horrores!, ¿no podía habernos evitado el siempre pedestre plano subjetivo desde el punto de vista de la flecha cuando Robin Hood dispara sobre su peor enemigo? Lo peor que te puede pasar cuando afrontas una nueva versión de las aventuras del famoso arquero de Sherwood es que en vez de recordar a Robin de los bosques (Michael Curtiz, 1938) o a Robin y Marian (Richard Lester, 1976) el espectador se acuerde de Kevin Costner, peluca al viento, en la infame Robin Hood: Príncipe De Los Ladrones (Kevin Reynolds, 1991). Menos mal que Russell Crowe (un hombre de verdad, como cantaba Alaska), bien secundado por el resto del reparto, evita que el desastre sea completo.

FELLINI QUE ESTÁS EN LOS CIELOS: NINE (Rob Marshall)

Resulta original como idea para un musical hacer una versión de una película tan extraña y personal como 8 ½ (Federico Fellini, 1963). Pues bien, los méritos de Nine no van más allá de ese interesante punto de partida tomado del musical de Broadway, ya que convierte el complejo entramado de sueños, recuerdos, anhelos y vivencias urdido por Federico Fellini en una simple sucesión de apariciones femeninas ante el director interpretado por el siempre eficaz Daniel Day-Lewis, algunas de ellas tan bochornosas como las protagonizadas por Sophia Loren, que se limita a sonreír como una idiota encantada de que la dejen salir en el cine, o Nicole Kidman, últimamente solo capacitada para interpretar el drama de una mujer aquejada de una terrible adicción al bótox. Solo las hipervitaminadas Marion Cotillard, Kate Hudson y Penélope Cruz consiguen animar un poco la función. Pero si quieren ver una buena versión musical de 8 1/2 quédense con All That Jazz (1979). Bob Fosse tomó solo la idea de partida para luego plasmar sus propias obsesiones y eso se nota en el resultado final.

EL RETORNO DE UN CLÁSICO: SHERLOCK HOLMES (Guy Ritchie)

El hecho de que catalogue una película de Guy Ritchie de simplemente regulera y no de horror absoluto es todo un acontecimiento. De hecho, es la primera película de él que veo entera, ya que no he podido aguantar más de cinco minutos de ninguna de las anteriores, y les aseguro que tengo mucho aguante. No es que a partir de ahora vaya a seguir la carrera del ex de Madonna con más interés, ya que considero que , si Sherlock Holmes es un film entretenido, se debe más al diseño de producción y a los actores que a Mr. Ritchie. Podemos decir que es un film que cuenta con un trabajo de producción tan bueno, que ni siquiera un incompetente de la calaña del director de Lock & Stock consigue cargárselo. Y eso que lo intenta con denuedo, no se crean. No faltan esas aceleraciones y desaceleraciones de la imagen tan propias de su... uy, iba a decir estilo, pero esa palabra le viene demasiado grande. ¿Por qué, insisto, creo entonces que esta versión modernizada y rejuvenecida de Sherlock Holmes no está tan mal? Pues porque consiguen recrear la Inglaterra victoriana dándole el justo toque de fantasía que requiere una película de aventuras de estas características. Por otro lado, los actores también consiguen dar con el tono adecuado para interpretar a unos personajes míticos. No es muy fiel al espíritu de Arthur Conan Doyle, pero creo que alcanzan el objetivo perseguido: acercar a las nuevas generaciones uno de los mejores personajes de la literatura universal. Y de paso crear una nueva franquicia sin tener que quemar demasiadas neuronas, no seamos ingenuos.

VERSIONES, HOMENAJES, PLAGIOS, SAMPLES Y OTROS TEJEMANEJES MUSICALES

2010-08-24T23:51:00.002+01:00

En un mundo en el que se glorifica la novedad constante y la originalidad a toda costa aquello que huele a versión u homenaje queda condenado al ostracismo. Los discos de versiones siempre se consideran menores dentro de la carrera de un autor y, si tu estilo es algo retro, ten por seguro que tu disco no aparecerá entre los mejores del año. Claro, que el tiempo coloca a cada uno en su lugar y al final lo que sobrevive son las buenas canciones y las mejores versiones de las mismas. Yo, sin embargo, considero que resulta fascinante rastrear en los músicos que admiras los homenajes a aquéllos que les han influenciado, lo cual te permite descubrir nuevos músicos y entender mejor el camino que han seguido para encontrar su propio sonido. En cuanto a las versiones, aparte de darnos pistas sobre las preferencias de nuestros músicos favoritos, son un arte en sí mismas. De hecho, creo que el verdadero estilo consiste en eso, en coger un tema creado por otro y ser capaz de imprimirle tu sello personal. En el Renacimiento se pintaron miles de Madonnas, pero hoy solo recordamos alguna de Rafael o Leonardo ¿No es eso una prueba de que lo que importa es el estilo y no la originalidad del tema elegido? ¿No es eso lo que sentimos al escuchar a grandes interpretes como Frank Sinatra o Ella Fitzgerald?

A partir de hoy hablaré en esta nueva sección de eso, de como la música se retroalimenta a base de versiones, homenajes, samples e incluso plagios descarados.

Y hoy me toca hacer de abogado defensor de uno de mis grupos favoritos, Los Planetas. Se les ha acusado varias veces de plagio y eso ha servido de argumento a sus detractores para desacreditarles. Hoy les traigo aquí los dos casos que me parecen más flagrantes.

Étienne Daho era un músico totalmente desconocido para mí hasta que un día leí que J, desesperado ante la falta de un verdadero hit en el nuevo disco que preparaban, Una Semana en el motor de un Autobús (1998), había plagiado la melodía del tema que abre el álbum, Segundo Premio. Por supuesto, me lancé incrédulo a la búsqueda del tema en cuestión y (oh, caramba) no cabía duda, plagio descarado. Tras el impacto inicial (cuesta digerir que una de tus canciones favoritas es en realidad copia de otra) me puse a escuchar las dos canciones con detalle y, ¡qué coño!, aunque la autoría de la melodía le corresponde sin duda a Daho, Los Planetas introdujeron variaciones interesantes: una gran instrumentación en la que destaca la percusión, un maravilloso riff de guitarra y unos impresionantes arreglos de cuerda, así como una letra desgarradora. Al final, tenemos dos buenas canciones y yo descubrí a toda una leyenda del pop francés al que sigo escuchando con agrado. ¡Todos ganamos! Por cierto, no lo he dicho, la canción plagiada se titula Promesses. Escuchen primero a Los Planetas, luego a Daho y luego me cuentan.

El segundo plato de hoy tiene tela porque se trata de una versión de la canción de Manolo Caracol Romance de Juan de Osuna, que pasada por el filtro de Los Planetas se convierte en un tema de rock progresivo aflamencado. Lo que muchos hemos notado es que la base rítmica es prácticamente clavada a uno de los temas más famosos del grupo alemán Neu!, titulado Hallogallo. Vamos, que más que una versión se trata de la fusión de dos canciones totalmente distintas. El mérito de Los Planetas está, por tanto, en armonizar semejante mezcolanza y que encima suene tanto a Los Planetas como cualquier tema original suyo. Escuchen a Los Planetas, a Neu! y a Manolo Caracol y díganme si no es una gozada para cualquier melómano. ¿No es fascinante la fusión de estilos tan dispares?

Los Planetas - Romance de Juan de Osuna

REPASO CINEMATOGRÁFICO DEL 2010

2010-08-22T22:57:00.005+01:00

Creo que ya va siendo hora de hablar un poco de la actualidad cinematográfica en este blog. Ese era mi objetivo principal cuando empecé, pero lo tenía un poco abandonado. Con este artículo inicio una serie de críticas que irán de lo peor a lo mejor que he visto entre las películas estrenadas este año en España. Las pelis que más cosica me han dado, de momento, han sido estas.

OPORTUNISMO + DEMAGOGIA= UP IN THE AIR (JASON REITMAN)

Tengo que reconocer que el anterior trabajo de su director, Juno, pese a cierta tendencia a la blandenguería, me pareció un encantador retrato de una adolescente (estupenda Ellen Page) que ve como se precipita su paso hacia la edad adulta cuando se queda embarazada "accidentalmente". Sin embargo, Up In The Air desprende tal tufillo a cine social para todos los públicos que solo un excelente George Clooney consigue hacérnoslo olvidar a ratos. Con pocos recursos cinematográficos (y no me refiero al presupuesto) la película nos narra el proceso de concienciación de un feroz ejecutivo cuyo trabajo consiste en despedir a la gente. Como no, se dará cuenta de que vive una gran mentira que le ha convertido en un cínico y le ha alejado de su familia. Es más previsible que ver a un fontanero llamar a la puerta de una bella y nada recatada señorita en una peli porno. Incluso cuando introducen cierto giro argumental, que no desvelaré, éste resulta tan tramposo que pierde toda su eficacia y no hace más que ahondar en una sensación de tomadura de pelo que va calando hondo en el espectador hasta desembocar en una parte final ciertamente lamentable. Lo mejor: los títulos de crédito iniciales al ritmo de ese temazo de Sharon Jones & The Dap-Kings llamado This Land Is Your Land. Pero para eso no hace falta ir al cine, lo pueden ver aquí (un consejo: dejen que se cargue bien el vídeo antes de verlo).

VERDE, QUE TE QUIERO VERDE: GREEN ZONE (Paul Greengrass)

Muchos consideran la carrera de Paul Greengrass un soplo de aire fresco dentro del cine de acción moderno y es cierto que su cine contrasta para bien con esos blanditos productos a lo Michael Bay que invaden las pantallas de todo el mundo como una plaga. Es de agradecer esa vuelta a la acción física en la que no se abusa de los efectos digitales. El problema del director de United 93 es lo limitado de su fórmula. ¿Por qué hablo de fórmula y no de estilo? Porque Greengrass lo único que hace es aplicar las formas aprendidas de la tradición realista y documentalista británica al cine comercial. Eso sí, cayendo en los mismos errores que gente como Tony Scott o el mismísimo Christopher Nolan (éste al menos tiene otras muchas virtudes): un montaje demasiado corto y unos planos demasiado cerrados que impiden al espectador seguir adecuadamente lo que está sucediendo en la pantalla y, por lo tanto, emocionarse con ello. Al menos, yo prefiero la emoción cinematográfica que me provoca una escena de acción perfectamente coreografiada y planificada. En todo caso, esa forma de rodar ruda y directa pudo impactar en un primer momento, pero cuando careces de un verdadero estilo narrativo tu cine corre el peligro de acabar pareciendo formulario. Si encima tienes entre manos un argumento tan "sorprendente" como descubrir a estas alturas que no había armas de destrucción masiva en Irak y al mismo actor de la saga Bourne, la sensación de dejà vu es tan fuerte que te preguntas porqué se llegó a hacer esta película. Bueno, claro, para seguir explotando el filón de la saga Bourne. Pues ya está bien, al final el cine de Greengrass ha acabado siendo una nueva plaga a extinguir. Bueno, seamos malos: ¿no lo era ya desde el principio? A mí la primera parte de las aventuras de Jason Bourne, dirigida por el mucho menos reputado Doug Liman, me sigue pareciendo la mejor de todas.

UNA RECOMENDACIÓN MUSICAL PARA CELEBRAR LA VUELTA

2010-08-02T20:32:00.010+01:00

Un amigo me pidió hace unos días alguna recomendación musical y, como sé que es lector del blog, voy a hacerlo en forma de post, así extiendo la recomendación a todos ustedes.

Como sé que a este colega le gusta la música de raíz americana (es más dilanista que Dylan), el primer nombre que acudió a mi mente fue Joe Henry. Este tipo decía hace poco desde las páginas de Rockdelux: "la originalidad está sobrevalorada", así que no esperen encontrar en sus discos experimentación ni nada parecido, solo un conjunto de buenas canciones interpretadas por grandes músicos. Folk, pop, country y jazz combinados en una música nocturna y relajada. Recuerda al Tom Waits de los inicios y, ocasionalmente, a su admirado Bob Dylan. Al menos, eso es lo que puedo decir de los dos discos que, por el momento, conozco de él: Civilians (2007) y Tiny Voices (2003). A mí me enganchó especialmente el segundo, donde predomina la influencia del jazz y el pop sobre el country-folk. Todavía no he escuchado el último, Blood from stars (2009), y tampoco otro de sus álbumes más reputados, Scar (2001), pero ya los tengo en la sala de espera. Su primer disco, Talk of heaven data del año 1986 y lleva editados unos 12, así que, si les gusta, tienen mucho donde rascar. También conviene destacar su faceta como productor, ya que eso le ha permitido trabajar con gente como Elvis Costello, Allen Toussaint, Aimee Mann o Solomon Burke. Cuando se le pregunta por ello, suele responder que le encantaría producir a Prince y a The Roots. No tiene mal gusto el tipo, ¿no?

Por último, una curiosidad: está casado desde 1987 con Melanie Ciccone, hermana de Madonna, así que es el cuñadísimo de la ambición rubia. Gracias a ese contacto familiar la Ciccone incluyó una canción suya en el álbum Music (2000). El tema original se llama Stop, pero Madonna lo retituló Don't tell me. Seguro que les suena, aunque no es de los más brillantes de su carrera, desde luego.

Ver Vídeo

Claro, que la versión de Henry es una maravilla, parece mentira que se trate de la misma canción.

¿CRISIS? ¿QUÉ CRISIS?

2010-07-12T00:14:00.002+01:00

Me despido de ustedes hasta agosto con la alegría de haber ganado el Mundial de Fútbol. Me encanta que el gol decisivo lo haya marcado ese genio humilde llamado Andrés Iniesta y, llámenme romántico, pero este momento es el mejor de toda la celebración posterior.

EL VÍDEO MATÓ A LA ESTRELLA DE LA RADIO: NEW ORDER

2010-06-24T21:45:00.002+01:00

Como dije hace tiempo los 80 fueron una mala época para los viejos roqueros, pero si lo tuyo son los cacharritos electrónicos ese fue tu momento. El típico sonido de los 80 nace de la unión de los instrumentos tradicionales del rock (guitarra, bajo y batería) con los nuevos sintetizadores, los cuales añadieron a la limitada estructura de banda roquera un punto de fuga creativo, una forma de hacer crecer las canciones y, de paso, devolver el rock a sus orígenes. Sí, de nuevo el rock era algo divertido para hacer bailar a las chicas, no el coñazo insufrible en lo que se había convertido durante los años 70 por culpa de gente como Bob Dylan y grupos como Yes, Camel, Led Zeppelin y un largo etcétera. Incluso grupos que en los 60 molaban acabaron aburriendo al personal en los 70: The Who, Pink Floyd, The Velvet Underground... Quisieron hacer del rock una música culta y con letras profundas, pero lo que consiguieron fue cargárselo. Menos mal que llegó el Punk para revolverlo todo.

Pero vamos al tema que nos ocupa. Como todo el mundo sabrá a estas alturas New Order son lo que quedó de Joy Division tras el suicidio de su líder, Ian Curtis (y el que no lo sepa que se monte un programa doble ya mismo con la excelente película de Michael Winterbottom 24 party people y con ese ejercicio de estilo en blanco y negro llamado Control dirigido por Anton Corjbin, quien realizó en su momento algunas de las mejores fotografías del grupo). Bernard Summer (voz y guitarras), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería) habían perdido a su carismático líder, un vocalista poderoso, pero no estaban dispuestos a tirar la toalla justo cuando empezaban a despuntar, así que Bernard Summer tomó las riendas del conjunto. Sin la atormentada personalidad de Ian Curtis en el horizonte sus compañeros evolucionaron hacia un sonido más luminoso, más pop, pero con un cierto toque melancólico. Las melodías fueron ganando terreno a las guitarras desgarradas y los espasmódicos ritmos que caracterizaban el estilo de Joy Division se fueron convirtiendo en ritmos bailables. Reconociendo la valía de Joy Division tengo que admitir que, si tengo que elegir, me decanto sin dudarlo por New Order, aunque en la parte vocal salen perdiendo. El líder de New Order es, eso sí, un gran guitarrista, aunque nunca aparecerá en el Guitar Hero, ya que no destaca por su virtuosismo, sino por un enorme sentido de la melodía, el ritmo y la armonía. El que sí está considerado uno de los grandes bajistas de la historia es el hooligan del grupo, Peter Hook. Su forma de tocar fue decisiva para que la mezcla de rock con ritmos electrónicos funcionase a la perfección, algo que se puede apreciar en la parte final de este vídeo musical dirigido por Jonathan Demme, muy valorado en aquel momento tras dirigir Stop Making Sense para otros grandes de la época que merecen capítulo aparte, Talking Heads. Se trata de un vídeo muy original por su sencillez, el director se esfuerza en captar la concentración en los rostros de los músicos, que interpretan la canción en directo. Es el antivídeo musical ochentero.

Y para terminar vamos con mis tres temas favoritos de New Order: Blue Monday, Bizarre Love Triangle y el menos conocido, pero igualmente genial, State Of The Nation.

MIS CRÍTICOS DE CABECERA

2010-06-16T18:37:00.008+01:00

Creo que todos los cinéfilos, al igual que tenemos nuestros cineastas de cabecera, también seguimos a unos cuantos críticos a los que nos une cierta afinidad. Por ejemplo, ahora me avergüenza decirlo, pero siendo honesto tengo que reconocer que Carlos Pumares a través de su mítico programa Polvo De Estrellas jugó un papel importante en mi cinefilia. Sus lecciones radiofónicas de cine coincidieron con una época dorada de la programación cinematográfica en televisión que nos permitió conocer ¡en prime time! la obra casi completa de maestros como Alfred Hitchcock o Fritz Lang, oferta enriquecida con la estupenda selección de cine de autores clásicos y modernos llevada a cabo por el Cine Club de La 2. Me cuesta reconocerme en el chaval que pasaba largas noches insomne escuchando a Carlos Pumares, ya que, a medida que fui configurando mi propio criterio, sus irreflexivas invectivas dejaron de tener gracia y sus opiniones empezaron a parecerme más rancias que la filmografía completa de su amigo Garci. Creo que el personaje acabó devorando a la persona.

Por contra, conservo un enorme respeto hacia dos críticos que ya no ejercen su profesión. A través de las páginas de Fotogramas y del programa Días de Cine les estuve siguiendo la pista hasta que uno de ellos falleció y el otro se retiró de la crítica para pasarse al otro bando, el de la dirección. El primero es el gran maestro de la crítica española, José Luis Guarner. Autorretrato del Cronista es un libro de obligada lectura para todo aquel que se dedique a la crítica cinematográfica, sus sabios consejos no tienen precio. El estilo de Guarner se basaba en la combinación de una basta cultura alejada de prejuicios culturales, una fina ironía y una gran modestia que le impedía caer en los frecuentes ataques de pedantería tan propios de su profesión. Su edad y su formación clásica no fueron nunca óbice para destacar la obra de nuevos talentos como el Ridley Scott de Blade Runner (aunque ahora es un clásico que nadie discute, en su momento fue una película de culto apreciada solo por unos pocos perspicaces) o como, ya en el tramo final de su vida, el Tarantino de Reservoir Dogs. Cuando la mayoría de los críticas de sus colegas subrayaban el carácter plagiario de la ópera prima del director de Pulp Fiction respecto al filme de Stanley Kubrick Atraco perfecto, Guarner se atrevía a decir que el alumno había superado al maestro, algo que pude constatar años más tarde viendo la acartonada y balbuciente película del luego magnífico director de 2001: Una Odisea del Espacio. Ah, y también conviene recordar la magnífica labor de Guarner como traductor de los guiones y demás escritos de Woody Allen. Fue un pionero en un campo editorial muy poco explotado por entonces en España.

El segundo crítico al que me refería es, como quizá han adivinado, el laureado Daniel Monzón. Junto a él aprendí a apreciar la calidad que se escondía tras muchos productos comerciales de puro entretenimiento, pero sin despreciar el buen cine de autor. En definitiva, que no hay nada malo en disfrutar tanto con el cine de Bergman como con los dibujos del Correcaminos, que hay que juzgar cada cosa en su contexto y según sus diferentes pretensiones. Tenemos que aprender a convivir con esa mixtura cultural tan propia de nuestra generación. Ah, y les puedo decir con casi toda seguridad que Monzón era el antiguo Sobrino de Mr. Belvedere (el nuevo no le llega ni a la suela del zapato). Esa identidad secreta le permitía ser más vehemente en sus comentarios de lo que en él era habitual. Los lectores de Fotogramas saben de qué les hablo.

¿Y en la actualidad cuál es mi crítico de cabecera? Pues sin lugar a dudas Tomás Fernández Valentí, al que sigo desde hace años en las páginas de Dirigido Por... e Imágenes de Actualidad. De hecho, este post está inspirado por una entrevista con él que he leído recientemente en Blog de Cine. De él me gusta, entre otras cosas, su especial querencia por el cine fantástico, que justifica de la siguiente manera:

"...diré que el género que más me ha interesado siempre es el fantástico, en sus acepciones de terror y ciencia ficción, y por una razón muy sencilla y, a la vez, tremendamente complicada: porque es el género que más depende del concepto de puesta en escena que tanto me gusta, porque es el género cuyo sentido nace de la planificación, del encuadre, del montaje, del movimiento de cámara. Me atrevería a decir que, por definición, el cine fantástico es el más rico e intelectual de los géneros, en lo que a concepción teórica se refiere, y a pesar de que, claro, no siempre dé lugar a películas también ricas e intelectuales, sino más bien todo lo contrario (lo cual demuestra que es más difícil y complejo de lo que parece a simple vista)".

Bueno, les recomiendo que lean la entrevista completa. Si les gusta leer sobre cine, merece la pena. Y luego pueden leer un enriquecedor texto llamado Los Ojos de Blade Runner del que es autor. No siempre coincido con sus opiniones, pero éstas siempre me parecen interesantes, bien desarrolladas y ajenas a modas pasajeras. Incluso cuando habla de films mediocres es capaz de extraer un tema acerca del que merece la pena reflexionar. Leí hace años su reivindicativo libro sobre Paul Verhoeven y estoy deseando leer David Lean: La Pasión y el Espectáculo y el más reciente: Martin Scorsese: Un Infiltrado en Hollywood.

THE GO TEAM! EN SALAMANCA

2010-06-15T18:04:00.004+01:00

Siempre es un placer pasar el fin de semana en Salamanca, pero si encima llegas un viernes y descubres que esa noche, dentro de la programación del Festival de las Artes de Castilla y León (FACYL para los amigos), actúan The Go Team! pues mucho mejor. A pesar del fresquito, de la constante amenaza de lluvia (finalmente, no confirmada) y de la escasez de público , los de Brighton no defraudaron y ofrecieron un concierto plagado de la energía que les caracteriza. Su mezcla de hip-hop, pop japonés, funky y punk les convierte en los reyes de cualquier fiesta y los esfuerzos de su explosiva front-woman (Ninja, la negra de la foto) por hacer bailar al frío público salmantino (tarea titánica, ¡sabe Dios!) se vieron al final, aunque tímidamente, recompensados. Es lo que tienen los conciertos gratuitos al aire libre, aunque nos hallemos en un escenario privilegiado como es la Plaza Mayor. En una sala de conciertos a rebosar de fans aquello habría sido una locura. Como sé que no es un grupo muy conocido les dejo un botón de muestra en forma de vídeo y, si les llama la atención, les pueden seguir la pista aquí.

SE ACABÓ LOST, ¿Y AHORA QUÉ?

2010-06-05T21:19:00.007+01:00

En realidad Lost no es la única serie que he terminado de ver últimamente. También he seguido de forma casi simultánea a su emisión en EEUU The Pacific, la segunda parte de Band Of Brothers producida por Steven Spielberg y Tom Hanks para la HBO. El famoso lema de este ya mítico canal estadounidense ("It's not TV, It's HBO") le viene que ni pintado a esta estupenda serie, sobrada de medios para sumergirnos en el frente del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Como su predecesora, mantiene un altísimo nivel de calidad basado en un magnífico elenco de actores jóvenes (mención especial merecen James Badge Dale como Robert Leckie, el ex-repelente niño de Jurasic Park Joseph Mazzello como Eugene B. Sledge y Jon Seda como John Basilone), unos esmerados guiones, una clásica puesta en escena y una visualización de la violencia adulta y honesta que nos hace comprender lo traumática que debió resultar semejante experiencia para quienes la vivieron.

Tras pasar mi luna de miel en Roma (sí, lo siento por mis admiradoras, soy un hombre casado, -risas-) mi fiel (creo) esposa y yo volvimos con ganas de ver la serie homónima. Vamos, que seguimos sintonizando la HBO. Por lo que he visto estos días se hace evidente que en su momento no le presté la atención que se merecía. Los limitados medios (incluso tratándose de una serie de gran presupuesto es imposible recrear el colosalismo del Imperio Romano sin arruinar un gran estudio) no son óbice para que a través de dos magníficos personajes basados en dos valerosos centuriones mencionados por Cayo Julio César en sus escritos, Lucio Voreno y Tito Pullo (interpretados respectivamente por los carismáticos Kevin McKidd y Ray Stevenson), nos adentremos en las vicisitudes del ascenso al poder y posterior caída del más famoso de los emperadores romanos, aquí interpretado por un magnífico Ciarán Hinds. Es una especie de buddy movie en tiempos de Roma con el sello inequívoco de HBO (tratamiento adulto, franco y directo de la sexualidad y la violencia) y de uno de sus creadores, el polémico John Milius. Nada de productos para todos los públicos, vamos.

Pero esas son las series que he visto o estoy viendo en este momento, ahora vamos con las que me apetece ver. Para seguir con la HBO, viene precedida de grandes alabanzas Treme. Viniendo del responsable de esa maravilla llamada The Wire, David Simon, me creo todo lo bueno que se diga sobre ella. Y como dicen que un clavo saca otro clavo, voy a ser reincidente y, tras Lost, le voy a dar una oportunidad a otra serie creada por J.J. Abrams, Fringe. Mientras no la deje en manos de Damon Lindelof y Carlton Cuse vamos bien. Ejem, bueno, si pinchan sobre sus nombres verán que alguien ya se ha encargado de darles su merecido, tardarán un tiempo en volver a escribir, je, je.

EL INEVITABLE POST DE LOST

2010-05-30T13:31:00.002+01:00

Digámoslo ya, no me ha gustado el final de Lost, pero no porque hayan quedado sin solución algunas de las incógnitas planteadas a lo largo de estas seis temporadas como dicen muchos, sino porque, en mi opinión, han traicionado el espíritu de la serie.

Veamos, a mí no me molestaba que todo fuera una gran tomadura de pelo. Desde las primeras temporadas se veía que los guionistas jugaban con el espectador a su antojo, eso era lo que tanto molestaba a sus detractores. Pero había algo en la serie creada por J.J. Abrams que, aún siendo conscientes de que estaban jugando con nosotros, nos mantenía enganchados, y no me refiero al misterio de la isla y los numeritos de marras. Bueno, quizá al principio sí, pero llegó un momento en el que todo era tan delirante que eso fue perdiendo importancia. Me estoy refiriendo, más bien, al sentido del humor, a la complicidad entre creadores, personajes y espectadores. Lost era pura pulp fiction, pura serie b de ciencia ficción y aventuras consciente de serlo, plagada de referencias a “Regreso al futuro”, “La guerra de las galaxias” y los cómics de superhéroes. ¿Por qué traicionar ese espíritu ofreciendo un final forzadamente épico, sentimentaloide y con una carga de mística new age que parece una mezcla hedionda de “Entre fantasmas” y “Ghost”?

Es un final que aboga por los bajos instintos sentimentales del espectador en vez de hacerlo por una resolución coherente con lo visto hasta la quinta temporada. El supuesto final sorpresa (para mí fue una sorpresa porque no esperaba un final tan previsible) lo único que revela es que seguramente los guionistas sabían el final desde el principio y se han esforzado en demostrarlo. Pues vale, ya ves tú, es como reconocer que toda esa aparente complejidad argumental plagada de personajes contradictorios, constantes cambios de punto de vista, saltos temporales, incertidumbre y ambigüedad no era más que la sempiterna lucha entre las fuerzas del bien y del mal con el paraíso como destino de los bienaventurados.

Dado lo visto hasta ahora, creo que solo había dos buenas formas de acabar Lost: con un final sorpresa que obligara a replantearse toda la serie desde una nueva y enriquecedora perspectiva (algo que han venido practicando con buena fortuna los dos grandes autores de cine fantástico de lo que llevamos de siglo: M. Night Shyamalan y Christopher Nolan) o con un final que hubiera dejado más incertidumbre todavía en el espectador, subrayando y asumiendo el carácter de tomadura de pelo monumental y consentida que en el fondo es Lost, con dos cojones. Pero Carlton Cuse y Damon Lindelof han optado por la solución más acomodaticia: reunir a todos los personajes que han podido y dar una respuesta global que dé sentido a todo lo sucedido, cuando el sentido de la Lost era, precisamente, el sinsentido. Paradójicamente, como suele suceder en estos casos, no han contentado a casi nadie.

De todas formas, esos pésimos capítulos explicativos dedicados a Richard, primero, o a Jacob y su hermano, después, hacían temer lo peor. Pero uno albergaba en su corazoncito lostie la esperanza de una última vuelta de tuerca, un último giro argumental, que, finalmente, no llegó.

Tampoco soy de esos que creen haber estado perdiendo el tiempo todos estos años. Prefiero quedarme con un montón de momentos de diversión, tanto viendo la serie como comentándola con los amigos o leyendo todo tipo de teorías por internet. A pesar de su decepcionante final, Lost seguirá destacando por su ambicioso concepto de narración serializada, que ya forma parte de la historia de la televisión y del inconsciente colectivo. Incluso ese patético final ha dado lugar a uno de los youtubes más divertidos que he visto en mi vida, así que ¿qué coño?: ¡VIVA LOST Y VIVA LA GENTE QUE SE CURRA VÍDEOS COMO ÉSTE!

LA FIEBRE DE LAS LISTAS. HOY: LO MEJOR Y LO PEOR DEL CINE DE 2009

2010-02-07T20:17:00.016Z

Perdón por esta larga ausencia sin aviso previo. Lo único que puedo decir es que la vida del opositor es muy dura, pero que no he podido resistirme a esa fiebre por las listas que nos embarga a todos en esta época del año. Aquí va la mía.

1. Ponyo En El Acantilado / Mi Vecino Totoro (Hayao Miyazaki)
Ponyo en el acantilado ya por sí sola es una obra maestra, pero el hecho de que coincida con el estreno, al fin, en España de Mi vecino Totoro es demasiado. Miyazaki este año venía de abusón, pero, extrañamente, muy poca gente se ha dado por enterada. ¿Será que la animación tradicional en 2D no despierta tanto interés mediático?

2. Up (Pete Docter)
Han hecho falta dos Miyazakis para superar a un Pixar. Lasseter y sus amigotes saben hacerlo y lo han vuelto hacer. ¿El qué?, el film perfecto, la pócima mágica que combina imaginación, ingenio, emoción, reflexión y espectáculo. Ah, y mucho trabajo, pero eso ni se nota.

3. Déjame Entrar (Tomas Alfredson)
Este año hasta las mejores películas europeas se encuadran dentro del cine fantástico, lo cual me deja con la sensación de haber disfrutado de una de las mejores temporadas para este género de mi vida. En este espléndido film la vieja tradición gótica europea se da la mano con el cine adolescente ochentero norteamericano y da como fruto una de las mejores películas de temática vampírica de la historia del cine.

4. Los Mundos De Coraline (Henry Selick)
Quiero hacer un homenaje al mundo de la animación en un año excepcional para este viejo arte, ya que hemos tenido la suerte de disfrutar de grandes películas realizadas con técnicas distintas y por tres grandes maestros. Tras pasar por la animación de dibujos en 2D y la animación computerizada en 3D, llegamos a la animación stop motion. Con su nuevo film, Henry Selick nos ha terminado de convencer de que Pesadilla antes de Navidad no fue solo mérito de Tim Burton. Con otro gran fabulador detrás, como lo es Neil Gaiman, Selick ha vuelto a lograrlo. Ah, y Bruno Colais, con la que yo elegiría como Banda Sonora Original del año junto a la de Karen O (Yeah Yeah Yeahs) y Curter Burwell para Donde viven los monstruos, demuestra que no solo de Danny Elfman vive la música de cine fantástico actual.

5. (500) días juntos (Marc Webb)
Junto a Adventureland (Greg Mottola), con la cual ha coincidido felizmente en la cartelera, forma un binomio perfecto. Entre las dos podemos montar la comedia-romántica-agridulce-ochentera-perfecta. Mientras Adventureland es la película histórica que visita aquella época reciente, (500) días juntos (prefiero el título original (500) days of Summer, ya que Summer es el nombre de la protagonista y eso, aparte del evidente juego de palabras, conduce a un buen gag verbal al final de la peli), recoge a personajes marcados por la cultura ochentera en la época actual. A medio camino entre Dos en la carretera (Stanley Donen) y el cine de Woody Allen, su constante jugueteo con el tiempo, su maravillosa banda sonora plagada de canciones memorables y la química que se produce entre unos estupendos Joseph Gordon-Levitt y Zoey Deschanel constituyen los valores de la película sorpresa de la pasada temporada. Zoey, te queremos. Si alguien no ha escuchado todavía Volume One, el primer disco de She & Him (el dúo formado por el cantautor M. Ward y la propia Zoey Deschanel), que lo busque ya mismo. Bueno, va, se lo voy a poner fácil, lo pueden descargar aquí. Ah, y si les gusta, estén atentos, van a sacar un nuevo álbum en breve.

6. Antichrist (Lars Von Trier)
La mejor película de Lars Von Trier desdeeeeeeee... ¿Breaking The Waves?. Llevo tres latas de Alhambra encima, pero podría decir lo mismo totalmente sobrio. Dejando aparte las simpatías que el director de Dogville me despierta al haberse erigido en el mayor tocapelotas del cine mundial, consiguiendo cabrear con su última película hasta a aquellos habituales de Cannes que le defendían incondicionalmente, tengo que decir que el danés ha recuperado la inventiva visual que nos fascinó en Europa para adentrarse en una historia que arranca dentro de los parámetros del terror psicológico bergmaniano para ir avanzando hacia una feroz lucha por la supervivencia que le hermana con maestros modernos del género terrorífico como el Alexandre Aja de Alta Tensión. Una película que recupera el sabor a terror setentero por su salvajismo y textura sucia, a la vez que va creciendo en la mente del espectador gracias a su misterioso contenido simbólico.

7. The Wrestler (Darren Aronofsky)
Desde que debutó con Pi, el envidiado marido de Rachel Weisz viene haciendo la misma película: la historia de un hombre carcomido por una obsesión autodestructiva. Sus películas son clases magistrales de existencialismo en las que sus protagonistas no consiguen renunciar a aquellas idiosincrasias que les definen como seres humanos por muy dañinas que éstas sean. Gracias a la simbiosis entre persona y personaje que se produce en el cuerpo de Mickey Rourke y a una cámara que persigue con mirada antropológica a su protagonista, The Wrestler me parece el film definitivo de Aronofsky, ya que consigue que el espectador se implique más que nunca en el drama que vive el protagonista.

8. Enemigos Públicos (Michael Mann)
No sé a qué se debe la frialdad con la que ha sido recibido el último film del creador de Miami Vice, cuando a mí me parece el más logrado de su director desde Heat. Puede que se haya visto perjudicado por su aspecto retro, algo que suele restar puntos entre la crítica. A mí me ha parecido un depurado compendio de los temas preferidos de Mann (“yo y mi chica contra el mundo”, “la afinidad entre contrarios”) en el que consigue que la agilidad y el realismo que confiere el uso de cámaras digitales se enriquezca con una solidez formal que le emparenta con los grandes narradores del cine norteamericano.

9. Malditos Bastardos (Quentin Tarantino)
Si no fuera por la tendencia a la chorrada cómplice del director de Reservoir Dogs, podríamos estar hablando de una obra maestra. Tarantino demuestra en este film que ya no es solo un gran guionista y un gran director de actores, sino que es capaz de rodar los diálogos con un sentido del suspense y una riqueza de detalles que recuerda nada menos que a Hitchcock. Ha adquirido tal destreza como director que ya no es solo capaz de prestar atención a lo que se dice, sino a todo aquello que subyace en diálogos aparentemente intrascendentes. La pena es que, mientras tanto, tenemos que aguantar a un Brad Pitt definitivamente sobreactuado, quien encabeza a un grupo de “Bastardos” bastante anodinos y estúpidos, aunque hay que reconocer que resulta refrescante ver como se desmitifica de esta forma a personajes tradicionalmente mostrados de forma heroica. Mejor resulta la parte del film protagonizada por Shosanna (Mélanie Laurent) y Hans Landa (Christoph Waltz), ambos espléndidos en sus respectivos papeles, donde se concentran casi todas las mejores ideas de puesta en escena de la película. La mejor de todas: ese fantástico momento de venganza cinematográfica en el que una (SPOILER) previamente fallecida Shosanna despliega su ira a través de su imagen proyectada sobre el humo del fuego bajo el que arden los nazis, como si de un ángel vengador se tratara (FIN DEL SPOILER). A pesar de sus irregularidades, Malditos Bastardos contiene el mejor arranque y alguno de los mejores momentos de cine vistos este año, por eso merece figurar en esta lista.

10. El Curioso Caso De Benjamin Button (David Fincher)
No estoy de acuerdo con aquellos que dicen que David Fincher renunció en este film a sus inquietudes habituales en pos de lograr la ansiada estatuilla. Aunque no se trate de un thriller, la mirada oscura al mundo y la obsesiva perfección con la que cuida cada plano siguen ahí. La extraña historia de Benjamin Button, ese hombre que crece hacia atrás, le sirve al director de Zodiac para reflexionar sobre la materia misma de la que está hecha el cine: la memoria que se mezcla con los sueños y la dificultad de asir el espacio y el tiempo.

PELÍCULAS DESTACADAS

Algunas de ellas eran candidatas a figurar entre las favoritas y otras resultan interesantes por diferentes motivos, aunque adolezcan de irregularidades o resulten fallidas. Creo que entre todas configuran una gran cosecha, sobre todo, como ya señalé antes, en lo que se refiere al cine fantástico. Abro la lista con las películas pertenecientes a este género para que ustedes mismos juzguen si tengo razón o me dejo llevar por la pasión.

Moon (Duncan Jones)
Donde viven los monstruos (Spike Jonze)
A ciegas (Fernando Meirelles)
El Imaginario Del Doctor Parnassus (Terry Gilliam)
Arrástrame al infierno (Sam Raimi)
Watchmen (Zack Snyder)
Star Trek (J. J. Abrams)
District 9 (Neil Blomkamp)
Planet 51 (Jorge Blanco)
Génova (Michael Winterbottom)
La clase (Laurent Cantet)
Si la cosa funciona (Woody Allen)
París (Cedric Klapisch)
Control (Anton Corbijn)
Still Walking (Kore-eda Hirokazu)
Adventureland (Greg Mottola)
In the loop (Armando Iannucci)
Gran Torino (Clint Eastwood)
El desafío: Frost contra Nixon (Ron Howard)
Un cuento de Navidad (Arnaud Desplechin)
La duda (John Patrick Shanley)
Michael Jackson’s This is it (Kenny Ortega)
The Damned United (Tom Hooper)
The Reader (Stephen Daldry)
Revolutionary Road (Sam Mendes)
El secreto de sus ojos (Juan José Campanella)
Tetro (Francis Ford Coppola)
Tres dies amb la familia (Mar Coll)
Pagafantas (Borja Cobeaga)
Los Abrazos Rotos (Pedro Almodovar)
Celda 211 (Daniel Monzón)
Agallas (Andrés Luque)
Ágora (Alejandro Amenabar)

LOS MAYORES BLUFFS DE LA TEMPORADA

Slumdog Millionaire (Danny Boyle)
Vacaciones de Ferragosto (Gianni Di Gregorio)
Frozen River (Courtney Hunt)
Destino: Woodstock (Ang Lee)
Mi nombre es Harvey Milk (Gus Van Sant)

ASIGNATURAS PENDIENTES

Avatar (James Cameron)
Resacón en Las Vegas (Todd Phillips)
Hazme Reír (Judd Apatow)
El vuelo del globo rojo (Hou Hsiao-Hsien)

...y las que ustedes amablemente me sugieran.

LOS MEJORES MINUTOS MUSICALES DEL 2008

2009-08-27T12:04:00.007+01:00

Sigo en mi empeño de terminar el repaso al año 2008 y ahora le toca el turno a la música.

Portishead / Third
Quizá no sea el mejor disco de Portishead, pero sí el mejor que podían entregar tras 10 años de silencio. Me explico: si después de tanto tiempo hubieran vuelto para hacer exactamente lo mismo que antes, habría sido otra de esas reuniones de viejas glorias a las que últimamente estamos tan malacostumbrados. Pero a Portishead se les puede acusar de todo menos de acomodaticios y, si han vuelto, ha sido para reinventarse, no para sacar rédito a su legado; así que adiós al trip-hop y bienvenido sea el… eh, bueno, mmmm, ejem… la verdad es que todavía no sé como definirlo, pero a los del Rockdelux les gusta llamarlo “krautrock”. Podrían haber dicho “rock experimental”, que es más o menos lo mismo, pero la verdad es que “krautrock” suena tan raro, raro, raro como el último disco de los de Bristol, así que se me antoja que es el término más adecuado para referirse a él. Lo de “rock experimental” suena muy general y muy temible, así que añadiré para matizar que, aparte de guitarras desgarradas, podrán encontrar atmósferas enrarecidas y bases rítmicas ideadas por los torturadores de la cárcel de Guantánamo, pero debajo de todo eso, o por encima según se mire, se encuentran unas canciones preciosas y la turbadora voz de ultratumba de Beth Gibbons. Al final, tras unas primeras escuchas que desconciertan, uno le acaba pillando el punto a su parte más orgánica; es decir, lo que tiene de rock visceral, de pop melódico y de folk telúrico. El disco se acaba haciendo adictivo porque todo lo demás que escuchas te parece tan jodidamente convencional…

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The Last Shadow Puppets / The Age Of The Understatement

Los discos de revival no suelen puntuar al alza entre la crítica más sesuda, sobre todo si se trata de revival sesentero y no ochentero, que está más in, como es el caso. Tampoco creo que los imberbes compañeros de generación de Alex Turner, que constituye el grupo duro de fans del conjunto madre del de Shefield (los ya archiconocidos Arctic Monkeys), se tomen demasiado bien este giro hacia el pop maduro en su carrera. The Age Of The Understatement es, por tanto, un delicioso capricho de uno de los tipos más inquietos y talentosos de los surgidos en la escena musical pop británica durante lo poco que llevamos de siglo. Que un tipo de 22 años tenga entre sus ídolos a Scott Walker no deja de tener su gracia y que, a tan corta edad, se marque un disco de pop orquestal emulando a un icono de los 60 y salga vivito y coleando del intento tiene mucho mérito. Para los neófitos, Scott Walker es un intérprete y compositor con una gran voz de barítono que, a pesar de su origen estadounidense, desarrolló su carrera y triunfó en el Reino Unido, primero con The Walker Brothers y más tarde en solitario. Su música se caracteriza por la exuberancia orquestal. Grabó, por ejemplo, un gran disco de versiones de Jacques Brel o interpretó con buena fortuna algún que otro tema de mi admirado Burt Bacharach (Any day know, Make it easy on yourself), aparte de lucirse como compositor en discos que suelen figurar entre los mejores del Siglo pasado, tal es el caso de Scott 3.

Según confesión propia, la intención de Alex Turner y su compinche en el asunto, Miles Kane de The Rascals, era facturar uno de esos discos de madurez que las viejas glorias del rock suelen grabar al final de su carrera (sin ir más lejos, Ray Davies acaba de sacar un disco de versiones orquestales de unos cuantos temas de The Kinks, The Kinks Choral Collection), pero aprovechando que todavía mantienen la energía y la inspiración de la juventud. Y el resultado no puede ser más humillante para ciertos dinosaurios del rock: un inapelable conjunto de potenciales singles con unos maravillosos arreglos orquestales y una cuidada estética entre The Beatles y los ya mencionados The Walker Brothers, como se puede apreciar en los muy recomendables vídeos que les dejo a continuación. Todo ello ha hecho que muchos prefieran The Last Shadow Puppets a Artic Monkeys, y la verdad es que no me extraña, sobre todo teniendo en cuenta que estos últimos en su tercer disco de reciente publicación (Humbug) han dado un giro hacia un rock más oscuro y denso que nada tiene que ver con la frescura que lucían los monos árticos en sus dos primeros LP’s, especialmente en el primero. Se salvan de la quema gracias a ciertos ramalazos de psicodélia (Crying Lightning) y a que parece que últimamente Alex Turner ha estado escuchando a The Smiths (Cornerstone), que si no…

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Y mi favorito:

PREMIOS Y HOMENAJES: LA ETERNA POLÉMICA

2009-08-19T12:01:00.009+01:00

Sylvester Stallone protagonizando una campaña simultánea contra el uso y abuso de anabolizantes y vótox.

A raíz del homenaje que Silvester Stallone recibirá en la próxima Mostra de Venecia en reconocimiento a toda su carrera, se me ha ocurrido que era una buena ocasión para compartir con el mundo algunas ideas acerca de los premios cinematográficos.

Nunca he sido de esos cinéfilos altaneros que miran los premios por encima del hombro. Asumo que el cine tiene una parte comercial a la que no puede ni debe renunciar y tanto los Festivales Internacionales como los premios que entregan las diversas academias cinematográficas, con los Oscar de Hollywood a la cabeza, es cierto que explotan el aspecto más populista del séptimo arte, pero creo que cumplen una labor sociológica necesaria para que el arte más popular del Siglo XX, junto a la música, siga manteniendo ese estatus en el Siglo XXI. Dicho de otra manera, no soy de esos elitistas a los que les avergüenza que su forma de expresión artística favorita sea, a su vez, un expectáculo de masas; sino que me alegro por ello, ya que eso garantiza su vitalidad durante muchos años.

En definitiva, soy un poco como Tarantino (evidentemente, salvando las distancias): me gusta tanto el cine que disfruto de todos sus aspectos, incluyendo los más frívolos. Cuando le veo sobre la alfombra roja de Cannes pasándoselo tan bien, pienso: “este tío sí que sabe”.

¡Tarantinooorrrrrllllllllllllll!

Eso implica, por supuesto, que me alegre como un niño en día de Reyes cuando premian a alguien que me gusta y que me agarre algunos cabreos totalmente irracionales cuando, sin embargo, los galardones reconocen el trabajo de alguien que considero un cáncer para el arte cinematográfico. Todo ello forma parte de la diversión y, total, dentro de 40 años, presa del Alzheimer, ya habré olvidado que Titanic ganó en los Oscar a L.A Confidential.

Por otro lado, no soporto a esa gente que siempre reniega de las entregas de premios y que, de repente, cuando el homenajeado es alguien al que admiran sienten que, al fin, se ha hecho justicia. Un poquito de coherencia, por favor. Los premios no están para hacer justicia nunca.

De hecho, que al grupo de gente que ha de decidir el palmarés en los festivales se le llame jurado es un grave error, ya que es imposible impartir justicia cuando no existe un canon de calidad preestablecido. Cada obra debe ser juzgada en su contexto y, por eso quizá, en el marco de un festival lo más justo sea premiar a obras que no destaquen solo por su calidad, sino también por las pocas posibilidades que tengan de llegar al gran público. Lo malo es que muchas veces se mira más esto último que lo primero. Es decir, se premia más la cinematografía pequeña y exótica que la calidad intrínseca del producto. Se cree que los premios dotarán de prestigio a esa cinematografía, pero se parte de una premisa que considero totalmente falsa.

Normalmente, la gente piensa que los premios están para darle prestigio a aquel que los recibe, pero yo creo justo lo contrario: son los premiados los que le dan pretigio a los premios. ¿Por qué creo que los Oscar siguen manteniendo su prestigio? ¿Por ser el galardón más importante que puede recibir un cineasta? Pues claro que no, es porque de vez en cuando premian a gente como Martin Scorsese, los hermanos Coen, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Woody Allen, Clint Eastwood, Michael Caine, Sean Connery, Burt Bacharach, The Beatles… y un larguísimo etcétera de cineastas, guionistas, actores, músicos y técnicos de enorme talento. También es verdad que más a menudo de lo que uno desearía se cuela algún indeseable entre tan destacado grupo (llámese James Cameron o Roberto Benigni), pero eso forma parte de su gracia. Lo que decía antes: los premios no están para impartir justicia, aunque un poco de sentido común no vendría mal a veces.

Los Oscar tardaron años en recuperar su prestigio después de esto y cuando lo habían conseguido llegó Slumdog Millionaire.

Siguiendo la misma regla de tres, cualquier ceremonia de entrega de premios caerá en el desprestigio si, sistemáticamente, se dedica a repartir estatuillas teniendo más en cuenta el carácter exótico del producto que su calidad real, como le ocurre al Festival de San Sebastián o como ocurrió hace unos años con la moda del cine iraní encabezada por el hoy casi olvidado Abbas Kiarostami. Pero peor aún son esas ceremonias infectas, como los premios de la MTV, Grammys y demás, ya que, de hacerles caso, llegaríamos a la conclusión de que la mejor banda de rock de todos los tiempos es U2 (y encima no gracias a sus primeros y mejores discos, sino a los últimos, ¡!), que la mejor cantante es Madonna o que el mejor actor es el chico ese de Crepúsculo que ni sé cómo se llama ni me voy a molestar en guguelearlo. Y no hablo de los saraos españoles porque me entra la taquicardia.

Gafas Rayban: 100$ - Camiseta discretita: 3$ en el rastro - Peinadito a la moda: 10$. Ver a Sly en plan chulo-playa ochentero no tiene precio.

Y en esto llega la polémica decisión de los organizadores de la Mostra de Venecia de rendir tributo a Sylvester Stallone. Nadie le va a discutir a este tipo que unas veces se pone delante de la cámara y otras detrás (noten como evito llamarle actor y director) su carácter de icono cinematográfico. Lo que pasa es que se trata de un icono risible y patético. Si hay un título que merece Sly es el de Rey de la Comedia Involuntaria. Hasta él, tras varios intentos fallidos de hacer comedias voluntarias (alcanzando cotas dignas de una tarde de domingo de agosto en La Sexta, como Alto o mi madre dispara, Oscar o Tango y Cash), se ha dado cuenta de que lo que realmente le gusta a la gente es verle hacer el ridículo por enésima vez en Rocky Balboa o Rambo IV. De hecho, ese regodeo, esa inmersión sin flotador en el patetismo más absoluto es lo que ha podido llevar a los organizadores del evento veneciano a ver en su obra “originalidad y ternura”. Eso, y las drogas duras, claro.

Aunque yo creo que, si Sylvester Stallone merece un homenaje de verdad, es por esto:

¡Coño, qué largo me ha quedado! Pero después de tanto tiempo sin escribir qué querían.

EJEM, COMO DECÍAMOS AYER...

2009-03-17T08:30:00.024Z

Estatua de Fray Luis de León frente a la fachada de la Universidad de Salamanca a la que nadie presta atención porque están demasiado ocupados buscando la famosa rana.

No es que yo haya estado retenido durante todos estos meses por la Inquisición, no tengo motivos tan nobles como los de Fray Luis de León para haber permanecido ausente durante todo este tiempo; así que, simplemente, les pido perdón por mi dejadez.

Me quedé colgado en el repaso al año 2008 y mi intención es terminar lo que empecé, pero aligerando el ritmo para ir dando paso a la actualidad.

Pero basta de preámbulos, al grano. Como prometí hace tiempo, el próximo capítulo del repaso cinematográfico del 2008 está dedicado a la lista de Pequeñas y Grandes Decepciones, así que hagamos un pequeño viaje al pasado (al menos, habrán tenido más tiempo para ver las pelis en DVD, si no las vieron en el cine):

PEQUEÑAS Y GRANDES DECEPCIONES

Son películas que, aunque fueron realizadas por algunos de mis directores favoritos o venían precedidas de grandes alabanzas y prestigio internacional, me dejaron frío. Algunas de ellas (léase: Antes que el diablo sepa que has muerto, Pozos de ambición o El caballero oscuro) figuraron en muchas listas de lo mejor del año. No es que piense que se trata de malas películas, solo que, a pesar de aciertos parciales, no cumplieron las expectativas generadas en torno a ellas.

LOS CRÍMENES DE OXFORD (Álex de la Iglesia)
No solo se trata de la película más impersonal de Álex de la Iglesia, sino que tampoco funciona como simple filme de misterio. El director español más dotado de su generación pretendía comportarse como un simple entertainer, pero al quedar despojado de sus elementos característicos lo único que ha sido capaz de entregar es un thriller del montón, tramposo y efectista. Espero que La Marca Amarilla le inspire algo mejor, ya que, aunque las circunstancias de producción serán parecidas, se trata de un proyecto que le toca algo más la fibra.

MONSTRUOSO (Matt Reeves)

La campaña viral a través de la red fue brillante, pero el resultado final no me parece más que una atracción de feria poco excitante. Al menos, Rec., la película con la que resulta inevitable compararla, sí proporciona una experiencia realmente intensa, casi a la altura de la memorable La matanza de Texas. Lo que se demuestra es que no basta con el rodaje cámara en mano y unos currados efectos especiales para empatizar con el espectador, es fundamental una buena dirección de actores, unos personajes mínimamente creíbles y dejarse de historias amorosas metidas con calzador. Lo que importa es el bicho y las matanzas, Matt Reeves, ya lo sabes para la próxima vez. Salvaría la magistral composición de Michael Giacchino para los créditos finales, el primer ataque que sorprende a los personajes en la fiesta (lo que sirvió de trailer, vamos), algún que otro ataque de los bichos y el rescate de auténtico vértigo por los edificios en ruinas. Ah, curiosidad, juraría que el monstruo que ataca a James T. Kirk al llegar al planeta helado en Star Trek es el mismo de Monstruoso. J.J. Abrams es muy dado a los guiños propios y ajenos.

POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson)
Reconozcámoslo, Paul Thomas Anderson siempre ha sido algo megalómano. En Sidney y Boogie Nights quiso recordarles, a los por entonces despistados Francis Ford Coppola y Martin Scorsese, respectivamente, como se hacía una buena película siguiendo su libro de estilo y, voilà, lo consiguió. Luego tocaba emular a otro de sus maestros, Rober Altman, y con Magnolia superó con creces lo conseguido por el texano, ya que a Mr. Anderson le sobra algo que al sobrevaloradísimo Altman le faltaba, talento para colocar y mover la cámara. Y llegamos a Pozos de ambición, saltándonos, si me permiten, la vista y casi olvidada Punch Drunk Love, una comedia atípica, que es como se suele denominar eufemísticamente a las comedias que no hacen gracia. There Will be Blood (el título que el film tenía antes de que los distribuidores españoles lo cambiaran por otro digno de un culebrón venezolano) es como si Kubrick hubiera pretendido hacer la gran película americana. Y a este tipo de pelis lo que les pasa es que no tienen término medio: o te parecen obras maestras o se te atraganta tanta pretensión megalomaníaca. A mí me pasó lo segundo, pero lo mismo otro día la vuelvo a ver y le acabo pillando el punto; hay que darle tiempo al que, probablemente, sea el director más talentoso de su generación.

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET (Tim Burton)

Este es un caso extraño. Es una película sin tacha, todo los elementos individualmente considerados rozan la perfección: los actores, la fotografía, la estética, la dirección con mano firme de Burton, todo es lo que debe ser y está donde debe estar. ¿Por qué, entonces, el resultado final me pareció algo soporífero? Pues solo encuentro dos explicaciones: la primera sería la parte musical (no es que tenga nada en contra de los musicales, al contrario, pero es que en este caso las canciones, más que animar la función, le confieren un tono operístico con el que no congenio); la segunda posible causa de mi desencanto estaría relacionada con la primera y es que ese tono grandguiñolesco, ese contínuo teatro del horror sin propósito se me acabó haciendo algo cansino.

EL CABALLERO OSCURO (Christopher Nolan)
El esfuerzo de Christopher Nolan por conferir a un filme de superhéroes un tono de thriller realista al estilo de los que se realizaban en los años 70 resulta loable, pero, en mi opinión, equivocado. Al fin y al cabo, se está contando la historia de unos tipos que salen disfrazados y pintados como puertas a darse de mamporrazos. No sé, un poco más de sentido del humor no le habría venido mal. Además, Nolan es un grandísimo narrador, pero su fuerte no son las escenas de acción, ninguna resulta especialmente brillante. Y eso por no hablar de ciertos saltos en el guión poco o nada justificados. El porqué una obra maestra como The Prestige pasó casi inadvertida mientras El Caballero Oscuro recibía alabanzas ditirámbicas es algo que se me escapa.

MIL AÑOS DE ORACIÓN (Wayne Wang)
Peliculita que cuenta una historia bastante manida dentro de la tradición del cine oriental: la relación entre un padre atado a la tradición y una hija absorbida por la moderna forma de vida occidental. Homenaje (reconocido) al cine de Ozu que no alcanza ni con una onda la grandeza del genio japonés. Deja la sensación de que se trata de un bonito corto innecesariamente alargado… y eso que dura menos de 90 minutos, lo cual en estos tiempos es algo excepcional. Still Walking, eso sí que es un Ozu sin Ozu en el que Kore-eda es capaz de mantener un diálogo de tú a tú con el maestro. Ya hablaré más ampliamente de ella algún día.

UNA CHICA CORTADA EN DOS (Claude Chabrol)
Seguro que esta peli tenía algún detalle interesante, pero, sinceramente, lo he olvidado. Ah, sí, ya recuerdo, salía la sabrosa Ludivine Sagnier, que se enrollaba con un señor mayor (Fran Berléand) y era perseguida por el chulesco ricachón del pueblo (Benoit Magimel). Con Chabrol he ido pasando del entusiasmo inicial con El Infierno o La Ceremonia a una creciente indiferencia. Sus películas resultan agradables de ver, pero cada vez más rutinarias.

HONEYDRIPPER (John Sayles)
¿John Sayles fue el director de aquella maravilla llamada Lone Star o de la deliciosa El secreto de la isla de las focas? Cada vez resulta más difícil de creer. Este bienintencionado cuento sobre los orígenes del Rock‘n’Roll sabe a oportunidad perdida; la idea de partida es de lo más atractiva, pero el resultado es tan insípido y previsible que da rabia.

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO (Sidney Lumet)
Oscuro film que, en mi opinión, se ve malogrado por unos saltos temporales excesivamente subrayados a base de efectos sonoros y de montaje. Yo me sentí como si el director me dijera constantemente: “eh, idiota, no te pierdas, que ahora vamos atrás en el tiempo”. Por otro lado, adolece de una sobrecarga de gravedad que acaba dinamitando la credibilidad de una historia, la del golpe imperfecto, que para más inri ya había sido visitada por autores más inspirados; tales son el Quentin Tarantino de Reservoir Dogs o, sobre todo, los Coen de Fargo. Un poco de sentido del humor negro no le habría venido mal a tan rocambolesca peripecia vital, pero Sydney Lumet opta por un tono a lo tragedia griega que, unido a una narración que complica, más que explica, una historia en el fondo bastante sencilla, da como resultado uno de los films más pretenciosos de la pasada temporada.

MIS 10 PELÍCULAS FAVORITAS DEL 2008

2009-01-14T21:14:00.006Z

Siento esta larguísima e injustificada ausencia. Desde que tengo internet y un iPod Classic de 120 GB casi todo mi tiempo ante la pantalla del ordenador lo paso descargando música o transfiriendo mi colección de CD's a ese endiablado aparato creado por ese genio llamado Steve Jobs.

Pero no podía faltar a esta gran tradición del mes de Enero, así que me he puesto las pilas. Llego un poco tarde, lo sé, pero eso me ha permitido escoger algunas películas que no he visto en otras listas a manera de reivindicación.

10. HELLBOY 2: EL EJÉRCITO DORADO (Guillermo del Toro)

Ni El Caballero Oscuro ni Iron Man, mi película-cómic de este año es este abigarrado film en el que Guillermo del Toro confirma que se encuentra en el momento más dulce de su carrera. Como se suele decir, es una segunda parte corregida y aumentada en la que el director mejicano despliega toda su imaginería monstruosa en un ejercicio de estilo entretenidísimo, plagado de humor, guiños cinéfilos y sentido de la acción. Cuando Hellboy hace pop, ya no hay stop.

9. 4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS (Christian Mungiu)

No he dado con otra película europea de este año que me resulte más convincente. No solo se trata de dar una visión realista de la Rumanía de Ceaucescu, sino que constituye toda una lección sobre el uso del plano secuencia y el fuera de campo.

8. SOY UN CYBORG (Park Chan-wook)
Un Terry Gilliam sin Terry Gilliam y en coreano. Una deliciosa locura naïf que sirve de contrapunto al cinismo mostrado en la trilogía sobre la venganza por el director de Oldboy. Por cierto, se habla de remake de éste último film a cargo de Steven Spielberg, con Will Smith de protagonista. La polémica está servida, así que voy a ir echando un poco de leña al fuego: Spielberg la hará mejor.

7. ALIENTO (Kim Ki Duk)
Otro gran director coreano que sigue contando historias de amor extremas y haciendo sentir al espectador como si estuviera observando por el ojo de una cerradura el extraño comportamiento de los personajes. ¿Cómo resultar inquietante y profundamente romántico a la vez? En el cine de Kim Ki Duk está la respuesta.

6. EL INCIDENTE (M. Night Shyamalan)

Contiene un arranque cautivador, de lo mejor visto el año pasado, pero, una vez establecido el entorno en el que se va a desarrollar el drama, nos encontramos con una serie de escenas algo ridículas al lado de otras que nos recuerdan quien se encuentra tras la cámara. Ejemplo de lo primero: la serie de gente suicidándose con una pistola, la filmación del iPhone o el suicidio retransmitido telefónicamente; ejemplo de lo segundo: el coche chocando contra el árbol o el tramo final con esa anciana tan "hospitalaria". Irregular, sí, pero Shyamalan sigue siendo mucho Shyamalan. Solo el que arriesga se equivoca.

5. CINTURÓN ROJO (David Mamet)

Un film a contracorriente y a contratiempo, pero no a contrapié porque David Mamet no tropieza en esta historia donde habla de la ética de los luchadores de artes marciales como metáfora de un mundo en el que es muy difícil mantener la integridad cuando estás rodeado de podredumbre moral. Grandes diálogos marca de la casa y un uso del formato panorámico con sabor a thriller setentero constituyen sus mejores bazas junto a Chiwetel Ejiofor, que ofrece una de las interpretaciones más potentes del año. También es justo apuntar la presentación en sociedad de la atractiva Alice Braga.

4. CHE, EL ARGENTINO (Steven Soderbergh)
La verdad es que no comprendo la tibieza crítica con la que ha sido recibido este film de Soderbergh. Para mi entender, es lo mejor filmado por él desde Traffic. Yo me olvidé de la polémica en torno al personaje absorvido por unas fascinantes imágenes, unos inesperados brotes de comedia y la magnética actuación de un inconmensurable Benicio del Toro, que además está rodeado por un grupo de actores, mayoritariamente cubanos, mexicanos y españoles, en estado de gracia. Demián Bichir resulta algo paródico en su acercamiento a la figura de Fidel Castro, pero es que lo clava, y sorprenden gratamente el normalmente inexpresivo Rodrigo Santoro, como Raúl Castro (no se quejará el hermanísimo del aspecto que le han dado en la película) y, sobre todo, un divertidísimo Santiago Cabrera (el pateable pintor Isaac Méndez de la depauperada serie Héroes) como Camilo Cienfuegos. La modélica filmación de la toma de la ciudad de Santa Clara en la parte final del film te deja con ganas de más y, por fortuna, tras muchas dudas y rumores de que Che, Guerrilla iba a salir directamente en DVD, tenemos fecha de estreno en cines españoles: el 27 de febrero.

3. EL TREN DE LAS 3:10 (James Mangold)

En mi opinión James Mangold sigue una vía que revitaliza el género sin traicionar sus claves principales. Coge del western el entorno mítico, pero los personajes resultan más modernos y complejos de lo habitual en los films clásicos. Las interpretaciones de Christian Bale y Russell Crowe no decepcionarán al que piense, como yo, que se trata de dos de los mejores actores del cine moderno.

2. WALL-E (Andrew Stanton)

Me parece exagerado decir que es el mejor filme de la Pixar, pero puedo entender perfectamente que algunos lo consideren así porque la escasez de diálogos hace que el virtuosismo de la animación y el sonido destaque más que nunca. Por si eso fuera poco, Thomas Newman ha compuesto la banda sonora del año, ¡Oscar, ya! Quizá la historia sea más inocente que otras veces, pero el enorme ingenio que ha acompañado siempre a la productora del flexo saltarín continúa intacto. La grandeza de Kubrick, el humor y el romanticismo inocente de Chaplin y una capacidad para ponerlo todo patas arriba como sin querer que recuerda a la comicidad de Tatí o Buster Keaton se dan la mano en un todo, francamente, irresistible.

1. NO ES PAÍS PARA VIEJOS (Joel & Ethan Coen)

Ya lo dije en su momento, iba a ser difícil que saliera otra película a lo largo del año que me hiciera disfrutar más que ésta. No es que yo sea de ideas rígidas, pero no ha habido nada que me hiciera cambiar de opinión.

VER CRÍTICA

Próximo capítulo (si Steve Jobs quiere): PEQUEÑAS Y GRANDES DECEPCIONES

LOS MEJORES MINUTOS MUSICALES DEL 2008

2008-11-30T10:53:00.006Z

Quizá sea un poco pronto para ir haciendo balance del 2008, pero más vale ponerse pronto a ello para que luego no nos pille el toro. Además, hace un mes que veo roscones de reyes en los escaparates de las pastelerías, y a eso sí que le llamo yo adelantarse más de la cuenta.

Más que hacer una lista de lo mejor del año, lo que pretendo es hacer unas cuantas recomendaciones escogidas entre lo que he tenido la oportunidad de escuchar. Tiene que ser así porque, si ya es difícil hacer un seguimiento a los estrenos cinematográficos más interesantes, no digamos ya hacer lo propio con los cientos de discos que se publican cada año.

Como mandan los cánones de la buena educación, empezaremos por los más viejunos y, más concretamente, por una gran dama, una leyenda, un mito viviente, la musa del Swinging London y, como vuelve a demostrar en Easy come, easy go una gran y particular intérprete:

Marianne Faithfull

Entre la imagen superior y ésta...

...han pasado varias décadas. El desgaste ha sido tanto físico como emocional y ambos han ido dejando huella en su quebradiza voz; algo que podemos apreciar mejor escuchando la misma canción interpretada en 1965 y más tarde en 1999.

1965: As tears go by, bonito tema originalmente compuesto por el dúo Jagger-Richards para The Rolling Stones en respuesta, se dice, al Yesterday de The Beatles. En el vídeo que podrán ver a continuación la presentación y posterior entrevista con la cantante corre a cargo, nada menos, que de Brian Epstein. Puro Swinging London, mítico.

1999: As tears go by, el mismo tema interpretado esta vez junto a Johnny Marr, guitarrista de The Smiths.

La voz cascada y aguardentosa la hace parecer una versión femenina de Tom Waits, pero no acaban ahí las semejanzas. Las fuentes musicales de las que beben la londinense y el californiano son las mismas: jazz, blues, country-folk, cabaret, rock, Gershwin, Porter… Rodeada de una gran banda y de una lista de colaboradores que pone los pelos de punta (Nick Cave, Cat Power, Rufus Wainwright, Antony Hegarty, Jarvis Cocker y el entrañable y fiel amigo de toda la vida Keith Richards), Marianne Faithfull despliega toda su sensibilidad y buen gusto para extraer lo mejor de un conjunto de canciones que abarcan todos los estilos antes mencionados y todas las épocas de la música popular del siglo xx, de Duke Ellington (la escalofriante Solitude) a Brian Eno (How many worlds), pasando por el dúo Leonard Bernstein-Stephen Sondheim (Somewhere del musical West side story), Smokey Robinson o (¿casualidad?) nuestro siguiente protagonista:

Randy Newman

Como muchos miembros de nuestra generación, descubrí a Randy Newman a través de las bandas sonoras para las películas de la Pixar. La fructífera colaboración con la famosa productora comandada por John Lasseter comenzó con Toy Story y, de momento, ha llegado hasta Cars. También es conocido por pertenecer a la mayor saga familiar de músicos que ha dado Hollywood; es sobrino de Lionel, Emil y Alfred Newman (uno de los grandes, compositor, entre otras muchos clásicos, de la famosa fanfarria de la 20th Century Fox) y es primo de Thomas (Wall-E, Buscando a Nemo, American Beauty) y David Newman (compositor de cabecera de Danny de Vito, suyas son las excelentes partituras de La guerra de los Rose, Matilda y la infravalorada Smoochy). También es famoso Randy Newman por el récord de haber sido 15 veces nominado al Oscar sin ganar ninguna, racha negativa que se rompió cuando al fin ganó con el tema If I didn’t have you de Monstruos S.A., uno de sus mejores trabajos para la Pixar, aunque la canción quizá no estaba a la altura de otras anteriores y quedó la sensación de que se trataba, más que nada, de un merecedísimo premio a toda su carrera. Con estos antecedentes, y sabiendo que la carrera de nuestro hombre lejos del cine había sido un continúo fracaso, me enfrentaba yo a Harps and angels, el primer disco sin relación con el cine que escuchaba del autor angelino.

Y me encontré con el mismo encanto modesto y bonachón de su música cinematográfica, pero enriquecido con una mayor variedad y libertad en los arreglos. Como en el disco de Marianne Faithfull del que escribíamos antes la música es tradicional, pero jamás suena previsible o rancia, sino fresca y vivaz, llena de recovecos que la alejan de lo convencional.

Y estos han sido mis veteranos favoritos de este año, otro día volveré con los más jóvenes.

DESCUBRIENDO A MARIO MONICELLI

2008-11-16T19:12:00.005Z

Gracias al ciclo programado por la Filmoteca Española he podido ver tres de las películas dirigidas por uno de los grandes de la llamada Commedia all’italiana. Quizá por haber dedicado gran parte de su producción a ese género tan denostado a veces, su obra no gozaba del prestigio que sí tenía la de otros autores italianos como Luchino Visconti o Federico Fellini. Que yo recuerde, sus películas nunca han sido programadas con regularidad en televisión ni se han editado en DVD, al menos en España. Pero eso es algo que se está intentando corregir ahora, empezando por la retrospectiva que le ha dedicado el Festival de San Sebastián de este año y siguiendo por el citado ciclo de la Filmoteca. Espero que eso se traduzca pronto en unas buenas ediciones en formato digital para que todos podamos disfrutar del interesantísimo cine de este superviviente de la era dorada del cine italiano que este año cumplió la friolera de 93 años. Por desgracia, no pude ver La gran guerra y La Armada Brancaleone, consideradas con unanimidad sus obras maestras, pero lo que he visto me parece sufiente para reivindicar a un director y guionista que me ha hecho disfrutar de algunos de los mejores momentos vividos en el cine este año.

LAS INFIELES (1953)
Curioso film que comienza como una comedia constumbrista para ir adentrándose poco a poco en el terreno del film noir cuando el protagonista, un joven detective de poca monta, ve la oportunidad de sacar tajada a los secretos que guardan celosamente los miembros de la anquilosada clase burguesa por miedo a perder su posición social. Historia de arribismo, por tanto, que le sirve a Monicelli para adentrarse en el desolador paisaje ético de la sociedad italiana de posguerra. Presentar a un protagonista tan antipático y conjugar diferentes géneros y tonos (comedia, melodrama, romanticismo, cine negro) son audacias que entroncan este film con la mejor serie B norteamericana de la época, y llegando hasta el presente uno piensa que esta película le debe gustar mucho a Andrea Camilleri.

PADRES E HIJOS (1957)
Partiendo del tema de las relaciones paternofiliales y de los consiguientes conflictos generacionales, Monicelli construye un guión de hierro entrelezando varias historias, entre las que destaca la protagonizada por un impagable Vittorio De Sica, cuyo personaje resulta más infantil que sus propios hijos (sobre todo que su hijo, con el que discute constantemente sobre cómo deben educar a la pequeña de la familia). Sus esfuerzos por responder a la imagen de lo que se entiende por un padre responsable son lo más divertido de un filme que abunda en momentos de aquellos que despiertan la carcajada cómplice. Esta película bien podría haber estado firmada por Billy Wilder o Ernst Lubitsch y eso son palabras mayores. Magistral guión y magistral manejo de la puesta en escena en un maravilloso blanco y negro anamórfico.

LOS CAMARADAS (1963)
En este caso Monicelli se aleja del cine de género y se acerca más al terreno del Neorrealismo italiano, pero el escenario no es la posguerra; sino que viajamos hasta un Torino finisecular para encontrarnos con las primeras luchas por conseguir mejores condiciones de trabajo en la incipiente industria italiana. Lo mejor de este filme, incluyendo la excepcional fotografía en blanco y negro del maestro Giuseppe Rotunno (nada menos que el responsable de la imagen de El Gatopardo y Rocco y sus hermanos de Luchino Visconti; Amarcord, Roma o Casanova de Fellini o, debilidad mía, El barón de Munchausen de Terry Gilliam), es que no cae en un paternalismo fácil con los trabajadores; sino que muestra con simpatía hacia su causa, pero con cierto distancianmiento, como la huelga les va conduciendo a una situación de miseria no solo económica, sino también moral. El mensaje de la película, así vista, es más subversivo de lo que puede parecer: no hay nada bello ni admirable en la pobreza, como los católicos nos han querido vender desde hace ya demasiados siglos, añadiría yo. Destaca, entre un reparto coral de magníficos y creíbles secundarios, la presencia de un, como casi siempre, espléndido Marcelo Mastroiani interpretando a un bondadoso profesor muerto de hambre que bien podría haber salido de una novela picaresca española y que es el que lleva la voz cantante en cuanto a la ideología marxista que impregna el filme. Como dato curioso, señalar la presencia de una jovencísima Rafaela Carrá.

EL VÍDEO MATÓ A LA ESTRELLA DE LA RADIO: VETERANOS DESPISTADOS

2008-11-11T19:30:00.004Z

Que los 80 fue una mala época para los roqueros clásicos que habían alcanzado su cénit creativo en los 70 es una verdad irrefutable. Y aquí está la prueba:

Por fortuna, algunos se adaptaron mejor a los nuevos tiempos que otros. Por algo le apodaron el camaleón.

EL VÍDEO MATÓ A LA ESTRELLA DE LA RADIO: LOS 80

2008-11-02T12:00:00.010Z

Hoy inicio una serie de posts dedicados a repasar esa década que está tan de moda. A los que ahora pasamos de los 30 nos criaron para ser consumistas y los vendedores de música, películas y ropa están recogiendo los beneficios de la jugada. La nostalgia vende.

Creo que hacer una selección de algunos de los vídeos musicales más representativos de entonces es la forma adecuada de hacer ese repaso, ya que nos permite fijar el objetivo tanto en la música como en la estética. Por supuesto, reinará la subjetividad más absoluta, pero espero no caer en esa ñoñería nostálgica que tanto aborrezco.

Empezaremos con el vídeo de la canción que da título a esta serie, que es como empezar por el principio, ya que ostenta el record de ser el primer vídeo emitido por la cadena MTV el 1 de agosto de 1981. El grupo británico The Buggles, como tantos otros, gozó de una fama efímera, solo sacaron dos álbumes en tres años antes de separarse, pero con Video killed the radio star alcanzaron el Nº 1 en todas las listas, cuando eso todavía significaba algo. El líder de la banda, Trevor Horn, adquirió posteriormente una cierta notoriedad como productor de la época dorada de Pet Shop Boys, entre otros, y como componente de Frankie Goes to Hollywood y The Art of Noise. Su aportación, por tanto, al sonido techno caraterístico de aquella época fue decisiva. El vídeo no tiene desperdicio, dirigido por Russell Mulcahy (¿les suena?, sí, es el de Los inmortales. Fue pionero, aunque no uno de los ejemplos más ilustres, entre los directores de vídeoclips que posteriormente darían el salto al cine), debió dejar una profunda huella en Michel Gondry porque remite de forma irremisible a su estética. Les dejo con él.

CRÍTICAS A CASCOPORRO

2008-11-02T00:20:00.005Z

Ahora que todavía estamos con la resaca post Halloween, les voy a advertir sobre dos auténticos horrores que he tenido la desgracia de vivir en el cine últimamente.

SANTOS (Nicolás López)

La sensación que uno tiene al salir del cine después de haber visto Santos es similar a la que se tendría de haberle pagado 5 euros al mejor pateador de rugby del mundo a cambio de que te propinara una patada en los mismísimos, cogiendo carrerilla y con botas de punta metálica. El responsable de este desaguisado debio pensar que como es una historia fantástica, basada en el mundo de los cómics y de mucho cachondeo valía cualquier cosa y se dedica a castigar las meninges del personal con tal retahíla de gilipolleces que ni el Aznar más inspirado podría superarla. De los actores, el único que parece saber donde se ha metido es Guillermo Toledo, que pone voz de mal doblador de serie Z, justo de lo que se trata. Pretenden hacernos creer que Javier Gutiérrez se liga a Elsa Pataky no por su atractivo físico (algo evidente, no es por ofender), sino por su gracia, su talento y su carisma, pero el personaje protagonista es tan patético que hasta la Madre Teresa de Calcuta habría tenido que hacer de tripas corazón para apiadarse de él.

WANTED (Timur Bekmambetov)

Wanted, a diferencia de Santos, venía precedida de un cierto halo de prestigio debido a que su origen se encuentra en la obra de uno de los más aclamados historietistas actuales: Mark Millar. Pues vale, desconozco la obra de Millar, de lo cual no me siento orgulloso, pero la película no me parece más que un pastiche de Matrix, El club de la lucha y Minority Report realizado por un deficiente mental. Porque vamos a ver que yo me aclare: ¿por qué coño el gilipollas del protagonista (un correcto James McAvoy) tarda tanto en darse cuenta de que se ha metido en una especie de secta constituida por asesinos de ideología descaradamente fascista? Pero bueno, aceptemos que el protagonista es tan pringao que no se da cuenta de algo que cualquier espectador con sentido común notará enseguida. Mas no termina ahí la cosa, sino que tras un durísimo entrenamiento cuya meta final consiste en aprender a disparar balas con efecto (sí, como si fuera un lanzamiento de falta realizado por David Beckham, pero con pistola, una chorrada como otra cualquiera), le engañan (otra vez) para que finalmente acabe matando nada menos que a su padre, a la postre el verdadero bueno de la historia (en un pedestre y tramposo giro final que me permito desvelar como pequeña venganza personal). Total, que al final el aprendiz, cuando se da cuenta de que en realidad le han utilizado para matar a su padre, se volverá contra los que le enseñaron a disparar balas con efecto ayudado por Angelina Jolie, otra que se cae del guindo y se da cuenta de que los de la secta a la que pertenece son muy malos. Esta última se revela con un lanzamiento de bala que describe un giro de 360º, con el cual mata a casi todos los miembros de la secta y se suicida ella misma. ¡Lo juro! Tras este record guinness de la estupidez, solo queda la guinda final en la que James McAvoy, ya convertido en un experto lanzador de balas con efecto, tirabuzones y doble pirueta hacia atrás invertida, mata al jefazo de la secta, Morgan Freeman (ay), y toma las riendas de su vida. Para entonces, ya es demasiado tarde, ¿qué más da?

ESPECIAL HALLOWEEN: COSAS QUE DAN CANGUI DE VERDAD II

2008-10-30T22:14:00.007Z

No voy a decir eso de que el envejecimiento natural es algo bello porque suena a libro de autoayuda, pero desde luego resulta mucho más agradable ver a una mujer madura con sus arrugas de expresión, sus ojeras y demás que a esos engendros cuyos rostros aparecen deformados por la cirugía estética y el bótox. Aquí les dejo dos ejemplos especialmente sangrantes para mí porque se trata de dos actrices que con los años han pasado de parecerme tremendamente atractivas a producirme grima.

MEG RYAN

ANTES

DESPUÉS

NICOLE KIDMAN

ANTES

DESPUÉS

ESPECIAL HALLOWEEN: COSAS QUE DAN CANGUI DE VERDAD

2008-10-28T21:27:00.003Z

Sissy Spacek estaba magnífica en Carrie, pero hasta hace poco no se ha sabido nada de los crueles métodos que Brian de Palma empleó para motivar a la protagonista de una de sus mejores películas. El director de Carlito's Way proyectaba ante sus ojos imágenes que la aterrorizaban y que, según ella misma declara, todavía hoy le provocan pesadillas. ¿Cuáles eran esas imágenes inenarrables? Pues eso es lo que recientemente ha salido a la luz. Les recomiendo que no las vean por la noche y menos aún si están solos en casa, luego no digan que no les avisé. Aquí las tienen:

PLACERES (NO TAN) CULPABLES

2008-10-22T17:51:00.006+01:00

Los anglosajones, que nos llevan muchos años de adelanto en esto del frikismo, llaman guilty pleasures, literalmente traducido: placeres culpables, a esas debilidades inconfesables que nos causan placer, aunque vayan contra nuestro criterio habitual. He observado que se trata de una práctica habitual de todo bloguero confesar algunos de estos placeres vergonzosos y, como yo no lo había hecho nunca, pues me he puesto a ello. Les ruego que sean ustedes piadosos conmigo y recuerden que está bien tener debilidades, eso nos hace humanos, lo que estaría mal sería tener solo debilidades, eso nos convertiría en débiles mentales.

UN CANTAUTOR:

Gilbert O’Sullivan

Podría haber elegido a las padres de todos los placeres culpables, ABBA, porque me gustan mucho unas cuantas de sus canciones. También podría haber mencionado a los Bee-Gees porque creo que Staying alive es una gran canción y, en general, la banda sonora de Fiebre del sábado noche me parece genial (no así la película), pero, si tengo que elegir a un cantautor estigmatizado por su fama de no apto para diabéticos, me quedo con Gilbert O’Sullivan y, particularmente, con tres de sus canciones, que para mí están entre las mejores que nadie haya compuesto jamás: Clair, Alone again, naturally y, por supuesto, What’s in a kiss. Hay quien reniega de la carrera en solitario de Paul McCartney por cursi, así que no digamos ya de quien mejor supo emular el meloso estilo del de Liverpool, pero a mí me da igual, esas tres canciones me siguen poniendo la piel de gallina y, si a mí me gustan, por algo será.

UNA PELÍCULA:

SONRISAS Y LÁGRIMAS

El placer que me produce ver una película como The Sound of Music (el menos empalagoso título original) es algo más misterioso porque, para empezar, está protagonizada por una actriz tan relamida como Julie Andrews, que me da cosica, y, para continuar, va acompañada de un grupo de abofeteables y repelentes niños. Sin embargo, el filme se acaba haciendo simpático gracias a la vigorosa realización de uno de los grandes artesanos de Hollywood, Robert Wise, así como por su clara filiación antifascista y, por qué no decirlo, gracias a un inspiradísimo grupo de canciones, entre las que destaca con luz propia My favourite things. Es imprescindible verla en versión original porque el doblaje de las canciones en la versión doblada es absolutamente delirante, especialmente en el tema Do-Re-Mi-Fa. Recuerden, si no, el incognoscible resultado:

UNA CANTAUTORA

Julieta Venegas

No es que sea un fan incondicional de esta chica ni nada, pero, a pesar de que ese boom de lo latino del que tanto se habla me parece una plaga musical a extinguir, la exitosa cantautora mejicana me parece de lo poco salvable que se puede extraer de la etapa más oscura para la música popular juvenil que se recuerda desde que Elvis empezara a menear las caderas. Quiero que se me entienda, creo que la tradición musical sudamericana es muy rica y ha dado al mundo alguno de los más grandes compositores, músicos y cantantes del Siglo XX (Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Ernesto Lecuona, Bebo Valdés, Ibrahim Ferrer, etcetera), pero la moda que actualmente padecemos se debe a una serie de caraduras que enarbolan la bandera de lo latino, cuando no hacen más que reducirlo a una mera etiqueta comercial a base de simplificar hasta caer en la subnormalidad profunda los esquemas genéricos asentados por tan ilustres antepasados y contemporáneos. Vayamos a por Juanes, sigamos con Maná, si nos tropecemos con Bisbal y demás triunfitos, algo se llevarán, hostiemos a Luis Miguel, pateemos a Mark Anthony, violemos a Thalia, Jennifer López. y Shakira ¡A las barricadas, amigos, queremos la cabeza de Santana colgando de lo alto de un pino!

Bueno, para calmarnos de estos arrebatos verbeneros, tenemos a esta reina del pop de 37 años, que no aparenta en absoluto. Por cierto, hablando de cantautores latinos, tampoco está mal Jorge Drexler y eso sí que me duele decirlo porque es el tío que se cepilla a Leonor Watling y el futuro padre de su hijo. Abajo les dejo el vídeo de Lento, que le ha gustado hasta al mismísimo Prince, eso cuentan en el País Semanal de esta semana.

UNA SERIE

LAS CHICAS GILMORE

Vivimos en la época dorada de la televisión. Todo el mundo habla de Los Soprano, de The Wire, de Perdidos, de A dos metros bajo tierra, de Mad Men… y yo ¡enganchado a LAS CHICAS GILMORE! Vale, la serie es un poco piji-ñoña a veces, pero posee unos diálogos tan ingeniosos que para mí resulta absolutamente irresistible. Se puede decir que es una versión algo dulcificada de la mítica Doctor en Alaska por aquello del pueblo idílico plagado de personajes excéntricos, pero posee casi tanto encanto como aquella. Además, la pareja madre-hija que forman Lorelai (Lauren Graham) y Rory Gilmore (Alexis Bledel) genera un conflicto en el espectador que se repite episodio tras episodio: tratar de dilucidar cuál de las dos está más buena; si (me) tengo que mojar me quedo con la madre, es la mujer del mundo a la que mejor le sientan los vaqueros (hay 7 temporadas completas que lo prueban, si es que consideran algo exagerada esta afirmación). Es lamentable, lo sé, estoy enamorado (otra vez) de un personaje de ficción, lo cual resulta todavía más irreal que estar enamorado de una actriz, pero es así, personaje y físico ya me resultan indisolubles. Hay un detalle que ya me hizo caer definitivamente rendido a sus pies: que se declare musicalmente anglófila, que sea fan de The Clash o de The Smiths, que sea capaz de soltar frases en tono despectivo como “eso suena demasiado americano” y que haya sido capaz de inculcarle tan sabias enseñanzas a su hija, lo cual (ay) contrasta con la banda sonora folky-light de la serie, el punto más flojo de la misma junto al insoportable careto post-rebelde-sin-causa de ese héroe de pacotilla llamado Millo Ventimiglia. Bueno, hasta eso tiene gracia, nos reímos de él. Tengo que reconocer que yo la empecé a ver a regañadientes y por la insistencia de mi chica, pero ahora se lo agradezco.

GAUDÍ WOODY BARCELONA: "VICKY CRISTINA BARCELONA" (Woody Allen)

2008-10-03T12:18:00.008+01:00

Algún día haré una lista de aquellas películas cuyo absurdo título tira para atrás pero que una vez vistas uno sale diciendo: “es mucho mejor de lo que parecía”. Vicky Cristina Barcelona podría ocupar perfectamente el primer puesto de esa lista porque (¡descorchemos el champán!) nos devuelve al mejor Woody Allen; es decir, el que es capaz de meternos como una ligera comedia de enredo, lo que en realidad es una amarga reflexión sobre las relaciones de pareja y lo inasible de la felicidad. El espíritu de Bergman, Rohmer y Truffaut (la referencia al trío de Jules et Jim es quizá la más explicita) pulula por la pantalla con una naturalidad pasmosa, dejando en el paladar el sabor al mejor cine europeo.

Y, como no, los personajes femeninos conducen la función: la chica que sabe perfectamente lo que quiere debe renunciar a ciertos placeres para alcanzar las metas que se ha propuesto en la vida, mientras que la que no sabe lo que quiere, pero sí lo que no quiere, está condenada a ser la eterna insatisfecha. Vicky (Rebecca Hall, todo un descubrimiento) y Cristina (Scarlett Johansson, estupenda físicamente y mejor que nunca como actriz) representan esos dos extremos, mientras que Juan Antonio (Javier Bardem), tras una traumática relación con María Elena (Penélope Cruz), intenta hallar el ansiado equilibrio, lo cual, paradójicamente, desencadena el conflicto, el caos. Al final, lo que Woody Allen viene a decirnos es que todo depende de la suerte, ya que encontrar a ese compañero ideal que nos satisfaga por completo es tan difícil como pasear por Barcelona y no toparse con algo diseñado por Gaudí.

Se dice que el director neoyorkino por excelencia muestra una Barcelona turística, nada realista, sin darse cuenta de que es lo mismo que hace al mostrar Nueva York, convertirlo en un entorno mítico en el que situar a sus personajes. ¿O es que alguien se cree que el ciudadano medio de Nueva York tiene un amplio apartamento frente a Central Park o se pasa el día yendo al psiquiatra, al teatro, al cine, a clubes de Jazz, a la ópera y a los mejores restaurantes de la ciudad como sucede en las películas de Allen? De hecho, los pocos planos que aparecen de Nueva York en Vicky Cristina Barcelona son muy significativos porque muestra esa otra parte de la ciudad que suele obviar en sus películas, la más urbanística y ruidosa. En este caso era necesario para sugerir el tipo de vida que le espera junto a su prometido a Vicky, en contraste con la apacible y soleada Barcelona. Además, al fin y al cabo, las protagonistas son turistas, con lo cual situar la acción en los típicos destinos turísticos de la capital catalana está plenamente justificado.

Si no fuera por una realización un tanto plana y por la ausencia de diálogos realmente ingeniosos, estaríamos hablando de una de las grandes películas del maestro de las gafas de pasta.

¡Mierda, Scarlett estuvo aquí una semana después que yo!

LA VOZ DE PAUL NEWMAN

2008-09-28T15:30:00.006+01:00

Hoy se va a hablar mucho, y con razón, de los ojos de Paul Newman, de su apostura, de su sentido de la filantropía, de su amor por la velocidad, de su fidelidad a Joane Woodward, de su brillante carrera... Pero a mí me gustaría destacar algo que, en un país donde prevalece el doblaje, suele pasar desapercibido para la mayoría: su voz. Y es que, en mi opinión, se trata de una de las grandes voces de la historia del cine. Profunda, viril y repleta de matices, la voz de Paul Newman era como la guinda del pastel: ¿cómo se puede tener ese aspecto y además ser dueño de una voz que te dejaba totalmente rendido a sus pies en cuanto la oías? ¡Qué abusón! Y ahí daba igual que fueras hombre o mujer, el carisma no entiende de géneros. Era, por tanto, un actor superdotado, mejor cuanto más se olvidó de las lecciones del Actor’s Studio.

De entre todos los grandes momentos de su carrera he elegido su alocución final frente al jurado en la magistral Veredicto final (Sydney Lumet) porque, igual que otros muchos, la considero su mejor interpretación. ¿Es también su mejor película? Yo le otorgaría ese honor a El buscavidas (Robert Rossen). ¿El director que mejor ha sabido explotar su carisma? Sin duda, George Roy Hill, que le dirigió en tres de los grandes éxitos de su carrera: Dos hombres y un destino, El golpe y la menos conocida, pero no menos mítica, El castañazo. Tampoco conviene olvidar la legendaria La leyenda del indomable (Stuart Rosenberg), con esa ingesta masiva de huevos duros, y dos estupendos filmes de Robert Benton que sirvieron para demostrar eso de que el que tuvo retuvo: Ni un pelo de tonto y Al caer el sol.

Les dejo con Frank Galvin, ese trágico personaje tan mametiano que está dispuesto a perderlo todo con tal de mantener su honestidad.

IMPRIME LA LEYENDA

2008-09-24T20:16:00.006+01:00

El estreno del excelente filme El tren de las 3:10, primorosamente dirigido por James Mangold y mejor interpretado por Russell Crowe y Christian Bale, me sirve como excusa perfecta para cumplir una promesa que hice hace meses: realizar una lista con mis 10 westerns favoritos.

A modo de introducción he seleccionado algunos extractos de una entrevista con James Mangold publicada en el número de Noviembre de 2007 de la revista Dirigido por… (hay que tener en cuenta que el filme nos llega con un año de retraso, de ahí que esta publicación se hiciera eco de él con tanta antelación) porque me parece que el director de Identity (nada que ver con el apestoso enjendro televisivo) expresa a la perfección lo que define y hace grande un género como el western. Como todo buen narrador, demuestra un gran conocimiento de los géneros cinematográficos y, más en concreto, de éste que hoy nos ocupa.

“…no necesitaba ver a Russell en un western para saber que iba a poder hacer esta película, porque para mí Gladiador es, a su manera, un western. Hay otras películas que podrían pasar por ser un western, pero que en el fondo no lo son, como Brokeback Mountain, que a mi juicio es una historia de amor y no un western. Pensar que una película es un western porque tiene sombreros, caballos y ovejas es completamente erróneo. Lo que el género significa y lo que el género ha terminado significando no tiene nada que ver con esa película. Tenía mucho más en común con Love Story que con Río Grande”.

“-¿Cuáles son tus westerns favoritos?
-El fuera de la ley (Clint Eastwood), sin ninguna duda, y, por supuesto, la original El tren de las 3:10 (Delmer Daves). Hay muchas películas que están a la misma altura de estas dos, como Raíces Profundas (George Stevens), Hasta que llegó su hora y todas las otras de Sergio Leone. Me parece que hay muchos westerns maravillosos. Soy un gran admirador de John Wayne, un actor al que creo que no se le ha hecho justicia. He visto todas sus películas. En el caso de nuestro film, usamos mucho Hasta que llegó su hora. Si usaras una analogía musical podrías decir que el rock and roll puede haber surgido de Estados Unidos pero luego los ingleses hicieron algo muy estimulante con eso, y a partir de entonces el rock ha dado la vuelta al mundo siendo reinventado a cada rato. Lo que ocurrió en Italia con los westerns es muy importante y es parte de lo que hace tanto que no vemos en este país cuando se habla de este género. Creo que no hemos vuelto a usar algunas de las cosas que los italianos desarrollaron. Aquí se han olvidado de todo el sentimiento que tenían esas películas, lo que las volvía magníficas. De lo único que nos acordamos es de las tomas artificiosas y los momentos delirantes, pero no reconocemos lo que los spaghetti westerns aportaron en términos cinematográficos. En cualquier caso, la mejor lección para mí fue poder pensar en el Oeste no como un drama histórico, porque creo que esa manera de entenderlo es lo que terminó con el western. Para la mayoría de la gente el western se convirtió en un tipo más de película de época, en lugar de lo que para mí es, un género cercano a la ciencia ficción. Es un territorio totalmente místico. Si lo analizas históricamente, hubo alrededor de seis o siete años en el Lejano Oeste en que realmente las circunstancias eran como las pintan en las películas. Fue el momento en que la Revolución Industrial empuja con todas sus fuerzas su noción de frontera, cuando concluye la Guerra de Secesión y aparecen los colonos con un espíritu empresario único, todo mezclado con el miedo a la persecución religiosa. En medio de ese contexto, las grandes empresas ya empezaban a presionar a los dueños de pequeños negocios, generando un conflicto explosivo. Todo esto se dio en ese momento histórico, condimentado por la ansiedad que generaba todo ese movimiento en Estados Unidos como nación. Sin embargo los spaghetti westerns dejaron de lado todo ello. Nunca se molestaron en explicar en qué lugar específico ocurría todo esto. Jamás dijeron si era Arizona en 1876 o Nuevo México en 1824, porque, en definitiva, desde el punto de vista de una película, ¿qué importancia tiene? Preferían concentrarse en lo que era verdaderamente poderoso en esas películas, que no pasaba por preguntarse si de verdad tenían todas esas armas en ese momento histórico. Ellos supieron aprovechar este territorio mítico maravilloso que proponía el Lejano Oeste para jugar con los temas verdaderamente importantes. En lo que a mí respecta, no me interesan las películas más comunes en donde todo pasa por lo histórico y donde la vajilla y la porcelana se corresponden cuidadosamente con lo que se usaba en esa época. De eso no trataban los westerns para mí…”.

En cuanto a mí, el proceso de selección ha resultado ser tan doloroso que me ha sido imposible poner las películas por orden de preferencia, así que he optado por el más sencillo método del orden cronológico. Por ello, me he dado cuenta a posteriori de que la película más antigua que he elegido es del año 1950, que 4 de las 10 películas pertenecen, precisamente, a esa década y otras 5 a la década siguiente. No creo que sea casual, entre las décadas de los 50' y los 60' coincidieron una serie de grandes directores clásicos en su etapa de madurez con los miembros de una nueva generación de cineastas que iba a aportar sangre fresca y nuevos bríos al western y al cine americano en general. Lo más difícil ha sido elegir un solo filme de aquellos directores que, en mi opinión, más han contribuido a enriquecer el género: John Ford, Howard Hawks, Anthony Mann, Sam Peckimpah, Clint Eastwood y Sergio Leone. Sin más dilación, comencemos este viaje hacia atrás en el tiempo por el género cinematográfico que todo gran narrador debería abordar alguna vez:

SIN PERDÓN (1992, Clint Eastwood)

GRUPO SALVAJE (1969, Sam Peckimpah)

DOS HOMBRES Y UN DESTINO (1969, George Roy Hill)

HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (1968, Sergio Leone)

EL DORADO (1967, Howard Hawks)

CENTAUROS DEL DESIERTO (1956, John Ford)

VERACRUZ (1954, Robert Aldrich)

JOHNNY GUITAR (1954, Nicholas Ray)

RAÍCES PROFUNDAS (1953, George Stevens)

WINCHESTER 73 (1950, Anthony Mann)

EL VÍDEO "CENSURADO" DE FATBOY SLIM

2008-09-18T22:38:00.003+01:00

Últimamente no he tenido tiempo para escribir nada, así que me ha venido de perlas descubrir este desternillante vídeo realizado por el hasta ahora desconocido para mí Nick Schofield para el nuevo single de Fatboy Slim titulado Toe Jam. La canción no está nada mal. El ex bajista de Housemartins, antes conocido como Norman Cook, ha querido recuperar el estilo vitalista de los añorados Talking Heads y para ello ha contado con la impagable colaboración como vocalista del mismísimo David Byrne.

Les dejo con este gag visual de 3 minutos y pico. Después de verlo, entenderán porqué se dice que la censura, a veces, puede ser creativa.

VENECIA SIN MÍ... Y SE ACABÓ

2008-09-08T00:03:00.005+01:00

Ya sé que les prometí que haría un seguimiento del Festival de Venecia, pero vaya semanita que me han dado los jodidos profesores con el principio de curso. Me entran ganas de cantarles: "Hey, teachers, leave our kids alone. All you know is just a-nother brick in the wall". Y es que este mes de Septiembre ya no parezco ni funcionario interino, ni de carrera ni nada de nada porque en el trabajo no hago otra cosa que "de trabajal y de trabajal" (si me permiten estos arrebatos gomaespumeros).

Al menos, les dejo con Carlos Boyero teniéndosela que envainar ante el talento demostrado por Darren Aronofsky (rebautizado como Aronfosky en el Telediario nocturno de Telecinco y de otras formas que no recuerdo en otros sitios) en The Wrestler, después de haber dicho que le consideraba un moderno en el peor sentido del término. Estuve pensando cuál puede ser el peor sentido del término "moderno", pero creo que hay que ser tan carca como Boyero para entenderlo, así que he desistido.

Aquí está la crónica del día del estreno de The Wrestler y

aquí está la crónica ya con el Palmarés sobre la mesa

Darren Aronofsky gana en Venecia y, encima, lo puede celebrar junto a Rachel Weisz, su mujer. ¡Qué injusto es el mundo, amigos!, unos tanto y otros tan poco.

FELIZ CUMPLEAÑOS VIEJUNO

2008-09-02T23:11:00.003+01:00

Una de las cosas buenas que tiene cumplir años, sobre todo para alguien que escribe, es que vas teniendo un pasado, un background, como dirían los hijos de la Gran Bretaña. Ese pasado no tiene porqué ser ilustre, mi disco duro está plagado, por ejemplo, de basura televisiva. Quizá el personaje de ficción con el que más me he sentido identificado en mi vida sea el protagonista de la mítica serie Sigue soñando. Por suerte, la memoria humana es selectiva y acaba poniendo cada cosa en su lugar... hasta que llegó internet y, más concretamente, Youtube. Gracias a esa herramienta del diablo hoy podemos volver a disfrutar de esas cosas que, gracias a milenios de evolución, nuestro avanzado cerebro había olvidado. Más que una revolución, Youtube constituye, por tanto, una involución y es por ello, quizá, que al placer que nos produce rescatar deleznables documentos pertenecientes a nuestro pasado recibe el acertado nombre de "placeres culpables". Si, además, te criaste en la década hortera por excelencia, los 80', el sentimiento de culpabilidad puede alcanzar dimensiones bíblicas.

Vean, si no, este vídeo de Parchís que me ha dado por buscar hoy, día de mi trigésimoquinto aniversario (lo digo así, como dejándolo caer, para despistar).

Debe ser verdad eso de que todos somos el niño que fuimos porque les aseguro que todavía se me remueve algo por dentro cuando contemplo estas imágenes. Y es que Parchís eran muy grandes, ¡qué coño! Al menos, eso pensaba yo cuando tenía menos de 10 años.